Experiments in_visibility ist eine Bachelorarbeit, die untersucht, wie Grafikdesign für blinde und sehbehinderte Menschen zugänglicher gestaltet werden kann. Grafikdesign basiert stark auf dem Sehsinn, wodurch Menschen mit Sehbehinderungen von dieser Erfahrung ausgeschlossen sind.

Dies gilt insbesondere für die abstrakteren und schwerer erklärbaren Aspekte des Designs im Vergleich zu textbasierten Informationen.

Durch die Integration taktiler Muster neben visuellen Elementen erhalten sehbehinderte und blinde Menschen die Möglichkeit, sich auf ihre eigene Weise mit Design auseinanderzusetzen, ohne auf fremde Hilfe angewiesen zu sein.

Als Grafikdesigner:innen beschäftigen wir uns immer wieder mit Themen, die uns bewegen, suchen den Austausch mit Gleichgesinnten, wollen Netzwerke knüpfen oder eigene Plattformen aufbauen. Dafür gilt es, Räume zu schaffen und die Aufmerksamkeit der breiten Öffentlichkeit zu gewinnen.

Als angehende Kulturproduzent:innen braucht ihr also ein praxisnahes Skillset – Fähigkeiten, die ihr euch bei der Entwicklung und Umsetzung der Call Me erarbeiten könnt. Die Call Me ist ein besonderes Ausstellungformat, in dem die Absolvent:innen des Studiengangs Kommunikationsdesign ihre Bachelor- und Masterabschlussarbeiten präsentieren – stets zu Beginn des Sommersemesters.

Unter welchen Aspekten möchtet ihr den Übergang vom Studium in die berufliche Praxis beleuchten? Wie gestaltet ihr die räumliche Wirkung? Welches Programm könnte die Ausstellung ergänzen? Wie stark bezieht ihr die Aussteller:innen in den Prozess ein?

Durch die Organisation der Ausstellung habt ihr die Möglichkeit, in die Hamburger Kulturpolitik einzutauchen. Ihr werdet euch mit dem Kuratieren eines Rahmenprogramms, dem Schreiben von Ausstellungstexten und den Feinheiten der Öffentlichkeitsarbeit beschäftigen. Dazu laden wir Expert:innen ein, die ihre Erfahrungen und ihr Wissen mit uns teilen.

Und das diesjährige Erscheinungsbild wird selbstverständlich von euch gestaltet!

16 Wochen bis zur Abgabe dokumentiert den Prozess der Web Realisierung. Diese Website dokumentiert die wöchentliche Recherche, Entwicklung der unterschiedlichen Denkrichtungen, Entwürfe und Gestaltungen, die am Anfang des Kurses bis zur Abgabe Woche entstanden sind. Der Fokus liegt darauf, den Prozess zu zeigen und wie dynamisch sich die Entwürfe im Laufe der Zeit entwickelten.

Ein Buch, das dem Wesen des Frachtcontainers auf den Grund geht. Die recherchierten Beiträge stellen den Container und seine Auswirkungen auf Logistik und Weltwirtschaft ausführlich vor. Ziel der Arbeit ist es, den vielseitigen Inhalt entsprechend vielgestaltig und anschaulich zu erklären. Ein besonderer Augenmerk liegt hierbei auf den zahlreichen Informationsgrafiken. Die Gestaltung folgt einem funktionalen Konzept, das sich auf die elementaren Eigenschaften des Containers beruft.

Wer eine Behinderung hat, kann einen Antrag auf einen Behindertenausweis beim Versorgungsamt stellen. Das vermeintliche Ausmaß der Behinderung wird von einer Zahl auf einer Skala von 10 bis 100 eingestuft und ab einem Grad der Behinderung (GdB) von 50 liegt laut Gesetz eine Schwerbehinderung vor und ein Schwerbehindertenausweis wird ausgestellt. Auf die grün-rosa Karte werden zusätzlich zum Grad der Behinderung bis zu sieben verschiedene Merkzeichen, wie zum Beispiel G für Gehbehindert, BI für Blindheit oder absurderweise auch H für hilflos gedruckt.

Natürlich ist es richtig, Menschen mit Behinderung besondere Leistungen, wie Steuerentlastungen und verschiedene Vergünstigungen, zu gewähren, aber braucht es dazu einen Ausweis, der ihre vermeintlichen Schwächen beweist? Statt einen Menschen als „hilflos“ zu stigmatisieren, könnte man auch einfach die Leistungen definieren, die diesem zusteht.

„Behinderung“ ist etwas Soziales und Gesellschaftliches. Behindert wird man von Barrieren, Gesetzen, von Diskriminierung, Stigmatisierung und Ableismus. Die allermeisten behinderten Menschen verstehen das Wort nicht als beleidigend, sondern als passend. Die Existenz des Schwerbehindertenausweises zeigt jedoch, wie wenig Verständnis unsere Gesellschaft für unterschiedliche Bedürfnisse hat und reduziert Betroffene stattdessen auf die vom Staat angehefteten Merkmale. Anstatt sie durch einen Ausweis zu kategorisieren und weiter auszugrenzen, muss die Möglichkeit zur Teilhabe von Menschen mit Behinderung in allen Bereichen des öffentlichen Leben ermöglicht werden.

100 Plakate — 100 Ideen — 100 kreative Prozesse und die Frage: Wie funktioniert das jetzt eigentlich genau mit der Kreativität? 

Aus einer Unsicherheit heraus, als Designerin möglicherweise nicht gut genug zu sein und den Erwartungen, auf Knopfdruck gute Ideen entwickeln zu können, nicht gerecht zu werden, entstand die Idee zu diesem Projekt. Im Fokus dieser Art experimentellen Ideentrainings standen Produktivität und Schnelligkeit: Jedes Plakat entstand innerhalb eines einzigen Tages, so dass der Reiz darin lag, jeden Tag ein neues weißes Blatt mit neuen Möglichkeiten vor sich zu haben. Inspiriert von Alltagsbeobachtungen entstanden 100, zum Großteil animierte Plakate, die mit Humor auf das Leben schauen. In Form einer digitalen, bewegten Plakatwand sind sie zu sehen auf piaosterloh.com

Veranstaltungsdaten werden mit einer visuellen Interpretation einer bestimmten Musik verbunden. Die Herausforderung bestand neben der technischen Umsetzung darin, das System so flexibel wie nötig, den Wiedererkennungswert aber so groß wie möglich zu halten. Die Informationen wurden mithilfe von basil.js aus einer Tabelle ausgelesen und in InDesign positioniert.

Durch einen p5.js-converter wurden die MP3-daten der Songs in JSON-Dateien umgewandelt und für jede 100stel Sekunde wurde die Lautstärke erfasst. Die Veranstaltungsdaten ordnen sich in einem Rahmen an, die grafische Figur ist eine Visualisierung des bekanntesten Liedes der jeweiligen Künstler:in. Je lauter ein Part in dem Musikstück ist, desto größer wird die einzelne Form. Für jede Veranstaltung entsteht ein einzigartiges Plakat.

Jeder Deutsche verursacht durchschnittlich 10.39 Tonnen Kohlendioxid im Jahr durch Konsum, Energie, Mobilität und Ernährung. Im Dezember 2015 unterschrieben 196 Staaten das Pariser Klimaabkommen: Ein Abkommen über die Einhaltung gemeinsamer Klimaziele: Die Erderwärmung soll auf 2° begrenzt werden. In Zahlen sieht das wie folgt aus: Der Pro-Kopf-Ausstoß von Kohlendioxid muss bis zum Jahre 2030 auf 4,2 Tonnen pro Jahr gesenkt werden; und bis zum Jahre 2050 dürfen es nur noch 1,34 Tonnen sein. Lasst uns das bewusst machen.

Das Projekt 2654 Jahre befasst sich mit der Sichtbarkeit von lesbischer Liebe und Frauen. Frauenliebende Frauen erhalten auch im Jahr 2024 noch keine ausreichende Aufmerksamkeit. Die Geschichte Homosexueller wird häufig mit Fokus auf den Kampf und die Rechte von Schwulen erzählt. So steht das Projekt sowohl in einem feministischen Moment als auch für Sichtbarkeit in der eigenen Community.

Das Farbspektrum, welches rosa und pink umfasst, steht hier neben der Auflösung einer negativ weiblichen Konnotation, auch für die Flagge der lesbischen Bewegung. Eine weitere Darstellungsform entsteht über Glitzer. In der LGBTQIA+ Community wird Glitzer oft als Ausdrucksmittel genutzt. Auch bei unterschiedlichen Protesten findet Glitzer immer wieder Einzug. Im Kontext von dem Weiblichen im Allgemeinen hat Glitzer, ebenso wie rosa oder pink, eine negative Konnotation und wird nicht als Protestmittel wahrgenommen, sondern eher verharmlost.

Um mit dieser Zuschreibung zu brechen und den Protest weiter fortzusetzen, wird in der Arbeit 2654 Jahre Glitzer als stilistisches Mittel genutzt und so Aufmerksamkeit auf die Problematik gelegt. Neben den Protestslogans werden 2654 Jahre abgebildet. Diese spielen an auf eine neue „Zeitrechnung”. Ca. 630 v. Chr. stand die antike griechische Dichterin Sappho am Beginn der lesbischen Sichtbarkeit.

Über die Jahrtausende einer männlich dominierten Geschichtsschreibung, wurden jedoch FLINTA* Personen immer wieder aus dieser herausgeschrieben und fanden keine Beachtung. So zeigt die letzte Animation die Jahreszahl nach einer sapphischen Geschichtsschreibung.

Im Jahre 2009 veröffentlichen die Hochschullehrer und Designer Anthony Dunne und Fiona Raby mit A/B das erste Manifest des Critical Designs.

In einer simplen Tabelle stellen sie zwei unterschiedliche Perspektiven der Designpraxis gegenüber. In der (a) Spalte finden sich Begriffe wie Benutzerfreundlichkeit, Ergonomie und Konsument, die eng mit dem industriell dominierten Designverständnis verbunden werden. In der zweiten Spalte stellen Dunne & Raby Antithesen wie Ethik, Rhetorik und Bürger auf. (b) soll (a) keines Falls ersetzen, sondern einfach eine andere Dimension aufzeigen, welche diskutiert und verglichen werden kann.

Mit diesen Gegensatzpaaren umreißen die beiden Autor:innen in äußerst reduzierter Form ein gestalterisches Programm, in dem Design nicht mehr bloß dazu dient, Produkte sexy, konsumierbar und benutzerfreundlich zu machen. Sondern viel mehr wird es zu einem kritischen Medium, in dem technologische, politische und soziale Entwicklungen thematisiert und reflektiert werden. Innerhalb der Plakatserie wird die Diskussion bzw. das Gespräch von Postion (a) mit Postion (b) dargestellt.

Quelle zur Inspiration war für die Gruppe das wegweisende Poster von April Greiman, welches in der Ausstellung The F*Word im MK&G Hamburg zu sehen war. Daraus entwickelte sich das Thema Raster und Bitmap, wozu die Studierenden forschten. In ihrer Druckpublikation und auf der Webseite sind ihre Untersuchungen, Erkenntnisse und der konzipierte Workshop dokumentiert. Das umschlagende Plakat entstand in einem kollektiven Entwurfsprozess und bezieht sich auf Greimans lebensgroßes Poster für das Design Quarterly in 1987.

Diese Posterserie untersucht die Möglichkeiten kinetischer Typografie. Wie kann Bewegung eine Botschaft verstärken? Außerdem werden die Auswirkungen des Leistungsdrucks auf die eigene Motivation untersucht. Die Ergebnisse sind grafische Experimente und als Momentaufnahmen zu verstehen. Sie gehen der Frage nach, in welchem Spannungsverhältnis Zeit- und Leistungsdruck, Motivation und Kreativität zueinander stehen. Denn in unserer Welt ist ein gewisser Leistungsdruck allgegenwärtig. Er ist in vielen verschiedenen Lebensbereichen zu finden. Fast jede:r von uns hat schon mal den psychischen Druck gespürt, zu hohe Anforderungen erfüllen zu müssen. Leistungsdruck entsteht oft dadurch, dass wir uns ständig mit anderen vergleichen. Wir haben immer das Gefühl, dass wir besser sein müssen als die Menschen um uns herum. Und selbst wenn wir zu den ‹Besten› gehören, haben wir Angst, diese Position wieder zu verlieren. Mit der Motivation verhält sich das oft anders. Einige Leute können unter Druck viel effektiver arbeiten, andere kommen mit dem Druck nicht zurecht, sie werden unsicher und ihre Motivation geht verloren. Es ist wie eine Abwärtsspirale: Je mehr Druck, desto weniger Motivation. Je mehr Druck, desto mehr Selbstzweifel. Es ist ein gesellschaftlicher Irrtum, dass extremer Druck alle antreibt und voranbringt. Unter Druck entstehen Diamanten. Allerdings nur sehr, sehr selten — viel häufiger erzeugt Druck Hühneraugen oder Hämorriden.

Stell dir vor, du wüsstest nichts über deine körperlichen und geistigen Eigenschaften, deinen Stand in der Gesellschaft und deinen materiellen Besitz. Alle Eigenschaften, die dich von anderen Menschen unterscheiden, wären verschleiert. Wie würde aus dieser Perspektive eine gerechte Gesellschaft in unserer heutigen Welt aussehen? In seinem bekanntesten Werk A theory of justice nutzt der amerikanische Philosoph John Rawls dieses Gedankenexperiment, um seine Gerechtigkeitstheorie darzustellen. Freie und vernünftige Menschen vereinbaren in einem Zustand der totalen Gleichheit einen Gesellschaftsvertrag über die Grundsätze des Zusammenlebens. Dieser Gesellschaftsvertrag wird hinter einem ‹Schleier des Nichtwissens› (veil of ignorance) geschlossen, in dem niemand seine Stellung in der Gesellschaft, seine Klasse oder seinen Status kennt. Privilegien wie Geld, Macht, Intelligenz, Persönlichkeit, Moralvorstellung usw. sollen hinter dem Schleier des Nichtwissens vollkommen ausgeblendet werden. Dabei handelt es sich um ein rein theoretisches Konstrukt, das verhindern soll, dass Menschen durch Zufälle benachteiligt werden. In diesem Zustand völliger Gleichheit wäre niemand in der Lage, Gesetze vorzuschlagen, die ihn als Individuum bevorzugen. In diesem Urzustand hinter dem Schleier des Nichtwissens sieht Rawls den notwendigen Ausgangspunkt für die Festlegung von Gerechtigkeitsprinzipien.

Das Projekt Access to books setzt sich mit der Zugänglichkeit von Büchern auseinander. Es geht einerseits um das Bemühen, Bücher für Leser:innen möglichst einfach und kostengünstig zur Verfügung zu stellen und andererseits darum, Websites als ein Tool zu verstehen, das gerade diesen Zugang ermöglicht.

Auch die Textsammlung beschäftigt sich im weiteren Sinne mit diesem Thema. So gibt es Texte über die historische Entwicklung der Zugänglichkeit von Büchern, Diskriminierungsformen in Büchern, Desktop-Publishing und DIY und Digitalität und Coding als Tool.

Auf der Website Access to Books können die Nutzer:innen aktiv eine Auswahl der Texte zusammenstellen, die gedruckt werden sollen. Sie dürfen also (und müssen) bewusst entscheiden, welchen Stimmen eine Bühne geboten wird. Außerdem gibt es hinter jedem Absatz die Möglichkeit, einen Kommentar zu verfassen. So lassen sich Anmerkungen und Notizen direkt im Text ergänzen.

Auch die Farben lassen sich auf der Website sowie im Print anpassen. Die Broschüre ist doppelseitig auf A4 angelegt, sodass sie bequem und kostengünstig zuhause ausgedruckt werden kann.

Was ist Akira? ...fragen sich viele, nachdem sie den japanischen Animationsfilm von 1988 gesehen haben, die Verfilmung des gleichnamigen Mangas von Otomo Katsuhiro. Diese Frage liegt auch der Plakatserie zugrunde, die sich mit der Symbolik Akiras beschäftigt, nicht nur als Phänomen des Kults selbst, sondern auch mit der kulturellen Relevanz des Films.

Das vorliegende Buch widmet sich den Brüdern Alexander und Wilhelm von Humboldt. Insbesondere Alexander gelang es, einen komplexen Wissensschatz an zukünftige Generationen weiterzugeben. In Anlehnung an seine Arbeit des Systematisierens und Archivierens orientiert sich die Gestaltung des Katalogs an Akten und Formulare. Der Inhalt des Katalogs ist klar strukturiert. Die Kapitel sind durch farbige Seiten getrennt. Die verwendeten Pastelltönen erinnern an Aktendeckel, die im Laufe der Jahre verblasst sind. Die klare Form wird durch bewusst platzierte Kommentare und Markierungen aufgebrochen. Neues Wissen wird schon vorhandenem Wissen hinzugefügt. Auf diese Weise werden Untersuchungen, Ergebnisse und Erkenntnisse gesammelt, die bis heute relevant ist.

Zwei Hefte, die die Recherche zur parametrischen Gestaltung festhalten. Das erste Heft bietet einen historischen Überblick, das zweite einen Ansatz für eine gestalterische Anleitung — einen ‹Designlösungsprozess-Algorithmus›. Die Hefte befassen sich mit der Geschichte und der Bedeutung von parametrischer Gestaltung in Kunst und Design, von Armin Hofmann über die frühe Computerkunst bis heute, und deren praktischen Nutzen für den Gestaltungsprozess — vom Konzept über den Entwurf bis zum Ergebnis.

Seit vor wenigen Jahren erste Anzeichen von flüssigem Wasser auf dem Mars entdeckt wurden, beschäftigen wir uns mit der Frage, ob es möglich ist, die Menschheit auf den roten Planeten umzusiedeln. Doch wie steht es um die Zukunft unserer Erde?

Mit einer Wassermenge von 1,386 Milliarden km3, einer Distanz von 149.600.000 km zur Sonne und einer Durchschnittstemperatur von etwa 15°C bietet der blaue Planet immer noch unsere besten Überlebenschancen. Hierher sollten wir unsere Energie zuerst lenken.

unter palmen
werden kulturelle identitäten geraubt,
ressourcen ausgebeutet
und gegebenheiten missachtet.
unter palmen
wird fremdes zu eigen gemacht,
zum fortschritt ‹verholfen›
und mit weißem maß gemessen.
unter palmen
werden klischees in stein gemeißelt,
privilegien missbraucht
und völkerschau betrieben.
unter palmen: 14 tage all-inclusive-pauschal-kolonialismus.

Gibt es Raum für alle? Gibt es Raum für niemanden? Wir nehmen ihn uns, wir gründen, wir reißen ab, wir bauen neu, wir nutzen um. Ob für uns oder für andere. Wir schaffen unsere eigene Insel inmitten vom Strom des bisher als fertig bestimmtem. Wir entfalten uns und schaffen eine neue Art von Leben, immer im Dialog mit dem was war und dem was noch sein wird. Der Allesraum verfügt über genug Platz und Entfaltungsraum für alle und somit für eine neue, eigenbestimmte Art zu leben.

Es gibt in unseren modernen und ausgebreiteten Städten viel Raum der immer noch ungenutzt bleibt und viel Möglichkeit in sich birgt, um kreativ von Menschen genutzt zu werden um kleine Inseln zu schaffen, sowohl Künstlerisch als auch politisch. Diese Inseln können mitten zwischen uns existieren und sind für alle Menschen frei.

Jedem Menschen sind Momente des Alleinseins bekannt. Der Begriff kennt viele Gesichter. Einerseits ist es der Aussteiger, der aus seinem Alltag flüchtet, weil er sich nach Stille sehnt, oder die alleinstehende Seniorin, die Strategien entwickelt, um die Zeit, die sie alleine hat, zu füllen.

Um herauszufinden, wie die Studentin mit dem Alleinsein im Alltag lebt und fühlt, verfolgt sie eine Woche lang ihre Empfindungen – jeden Tag, alle paar Stunden. Sie untersucht, in welchen Situationen und wie oft sie sich im Alltag einsam fühlt und wann sie den Drang verspürt, allein sein zu wollen.

In Zeiten schneller Informationsverbreitung nimmt der Glaube an Verschwörungstheorien zu. ‹Aluhutträger› lehnen offizielle Informationen ab und glauben an extreme, unbegründete Erklärungen. Schon vor 1933 wurden Litfaßsäulen zur Verbreitung politischer Ideen genutzt; die Nazis machten sie zum Propagandainstrument. Heute verbreiten sich Desinformation und Verschwörungstheorien durch soziale Medien schneller und schüren Hass. Sie gefährden Demokratie und Zusammenhalt. Kritisches Denken ist wichtig, doch sollte man sich an Fakten und Wissenschaft halten und nicht alles glauben, was im Netz kursiert.

Seit sie Design studiert, hat die Studentin eine Menge Fotos von zufälligen Dingen gemacht, die sie inspirierend, bedeutsam, lustig oder interessant findet. Im Laufe der Zeit hat sie begonnen, sich zu fragen, wie sie die Bilder so ordnen kann, wie sie sie sieht und versteht. Diese Website mag wie ein zufälliges Labyrinth aussehen, aber sie zeigt, wie das Gehirn der Studentin jedes Bild in Kategorien einordnet und miteinander verbindet. Sie lädt alle zu ihrer Gehirn-Pipeline ein.

Die Forschung der Studentinnen beginnt mit der Schnittstelle zwischen dem Analogen und Digitalen. Inspiriert durch die Arbeiten von Paula Troxler, Rebecca Stephany und den Zines in der F*Word Ausstellung im MK&G, wählen sie den Scanner als Tool, welches sie untersuchen wollen. Das sehr einfach zugängliche Reproduktionswerkzeug möchten sie zweckentfremdet einsetzen, Gegenstände abstrahieren, Schrift dekonstruieren und Glitch und Zufälle willkommen heißen. Sie beschäftigen sich mit der Geschichte der Zines und stoßen dabei auf Punk-Fanzines von prägenden feministischen Bands, wie Riot Grrrls und Bikini Kill. Nach einem Workshop und weiteren Experimenten mit unterschiedlichen Scan-Methoden spielen sie mit dem entstandenen Material im Digitalen weiter.

Angestiftet von den Arbeiten der Grafikdesignerin Ariane Spanier, welche die Gruppe in der Ausstellung The F*Word im MK&G entdeckte, experimentierten die Studentinnen mit analog bewegter Typografie. Sie beschäftigten sich mit den geschichtlichen Hintergründen und fanden analoge kinetische Typografie in vielen verschiedensten Bereichen — Schattenspiele von Bronzelettern an Denkmälern oder Flaggen mit Schrift, die im Wind wehen. Ihre Experimente, das Workshop-Konzept und analog sowie digitale Animation veröffentlichten die Studentinnen in ihrer Publikation und der Webseite.

«Das Lesen mag in dem Moment aufhören, wenn man die gesamte Struktur des Buches verstanden hat.» (Ulises Carrión, 1975)

Im Projekt And a reader wird der Begriff des Überblicks aus mehreren Perspektiven beleuchtet und gestalterisch verhandelt. Während die Website es ermöglicht, gleichzeitig mehrere Inhaltsebenen zu betrachten und zu lesen, hat die gedruckte Sammlung einen linearen Aufbau. Beide Medien umfassen die gleichen Inhalte. Die betrachtende Person entscheidet selbst, wie weit sie sowohl im Raum des Buches als auch im Raum des Internets gehen möchte. Ab wann haben wir das Gefühl, genug gesehen zu haben? Wann haben wir überblickt, was wir sehen? Muss das überhaupt als Ziel gelten?
In seinem Projekt können gleichzeitig verschiedene Inhaltsebenen, die mit spezifischen Textstellen verknüpft sind – wie Unterkapitel, Anmerkungen oder Quellenverzeichnis – um Lesetext eingeblendet werden. Dadurch wird der lesenden Person die manuelle Verknüpfung der Inhalte im Vorhinein abgenommen. Kein Blättern, keine Post-Its. Möglicherweise effizient.
Die Druckversion der Website folgt dem Gestaltungskonzept eines Buches. Es gibt eine Einleitung, ein Inhaltsverzeichnis und aufeinander folgende Textabschnitte. Nur die Gestaltung verweist an einigen Stellen auf die Gleichzeitigkeit der Dinge. Überschriften grenzen dicht an Fließtexte, überlagern sie teilweise, der Fließtext drängt sich vor die Überschrift. Ein Affront gegen die Texthierarchie. Ein Rangeln um Lesbarkeit.

Die Verbindung von Lautbild und Bedeutung eines sprachlichen Zeichens ist beliebig, so Ferdinand de Saussure. Angelehnt an diese These stellt die interaktive Installation die Frage nach dem Zusammenhang von Form und Inhalt — und vor allem deren individuelle Deutung: Der Computer bittet die Proband:innen, ihre Namen in die Tastatur zu tippen, um dann die Formen der einzelnen Buchstaben aufzulösen und virtuos zu verändern, bis schließlich nur noch zwei deren wirkliche Bedeutung kennen: der Mensch und der Computer.

Ob Bezos oder Musk, ob Zeitungsverlag oder Waffenhersteller: Reiche und Konzerne müssen sich nicht für die Machenschaften rechtfertigen, mit denen sie ihr Vermögen aufgebaut haben. Im Gegenteil: Sie werden respektiert und als Vorbild gefeiert. Sie verkörpern eine heuchlerische neoliberale Ideologie, die behauptet, dass die Arbeitsleistung darüber entscheidet, wo mensch in dieser Gesellschaft steht. Doch Reichtum kann nur durch Armut existieren. Der kleine Teil der Menschen der Welt, der nur von seinem Besitz lebt, baut eben diesen Besitz auf Kosten der arbeitenden Bevölkerung auf. Wir erarbeiten den Mehrwert, den sie sich aneignen – wir erarbeiten ihn in ihren Fabriken, ihren Wohnungen, ihren Supermärkten, in ihren Agenturen. Die Besitzenden, die Reichen, die Bonzen, handeln nicht aus Boshaftigkeit, sie vertreten schlicht ihre Klasseninteressen. Die logische Konsequenz daraus ist: Immer größer werdender Reichtum neben immer größerer Armut und eine völlig ausgehöhlte Demokratie.

Erst in einer klassenlosen Gesellschaft, in der der Besitz demokratisiert ist, kann ein gutes Leben für alle garantiert werden.

«Reicher Mann und armer Mann standen da und sah’n sich an. Da sagt der Arme bleich: Wär ich nicht arm, wärst du nicht reich.» — Bertolt Brecht [^Brecht, Bertholt. Hauspostille. Berlin: Propyläen Verlag, 1927]

Dieser Katalog zeigt die Arbeit der fiktiven Künstlerin Aroc Nerhek. In drei Serien zum Thema System & Individuum testet die Künstlerin die Grenzen des von ihr geschaffenen Systems aus. Was ist systematisch und wann beginnt das Chaos? Neben diesen Überlegungen, die in abstrakten Skulpturen und Collagen sichtbar werden, spielt das Projekt auch mit der Frage, ob etwas Kunst ist, wenn sie glaubhaft präsentiert wird.

Was steckt dahinter, wenn John Cage ein Musikstück schreibt, in dem kein einziger Ton enthalten ist? Welche Assoziationsräume eröffnen sich in einem Vortrag, der von sich behauptet, inhaltslos zu sein? Unter der Stille oder dem Nichts versteht Cage keinesfalls eine vollkommene Leere oder Abwesenheit der Dinge, sondern vielmehr eine Möglichkeit, die Umgebung — ihre Struktur, aber auch ihre Zufälligkeit — neu wahrzunehmen. Texte von John Cage werden innerhalb eines (Kompositions-)Systems positioniert. Die Simultanität der Texte löst sich immer wieder auf und ermöglicht Blicke hinter das vermeintlich Vordergründige.

Warum werden gestalterische Projekte und Ideen von Kreativen im Studium oder im Beruf oft nicht weitergedacht oder sogar ganz verworfen? Die häufigsten Gründe hierfür scheinen Zeitdruck, mangelnde Kenntnisse in Fachbereichen/Tools und Kommunikationsschwierigkeiten innerhalb von Gruppen zu sein.

Die Studentinnen haben sich diesen Faktoren bewusst abseits des Grafikdesigns ausgesetzt. So haben sie sich zum Beispiel gefragt: Was passiert, wenn man versucht, einen komplizierten Origami Schwan ohne Anleitung zu falten? Ist das unvollendete und unperfekte Ergebnis nicht vielleicht sogar spannender und interessanter als ein perfekter Schwan?

Die ‹unfertigen› Objekte inspirieren mit unerwarteten, kuriosen Formen und Farben und bieten spannende Gestaltungsansätze, die sich zurück ins Grafikdesign übertragen lassen. Entstanden sind drei experimentelle Plakatreihen, die zeigen, wie schöpferisch Unvollendung sein kann.

Aura generiert und visualisiert emotionale Grafiken basierend auf aktuellen Wetterdaten. Aus einer aktuellen Wetterdatenbank werden die vier verschiedenen Wetterdaten abgerufen: Temperatur. Feuchtigkeit. Windgeschwindigkeit. Wolken. Dabei handelt es sich jeweils um zugewiesene Objekte, die abhängig von den Wetterdaten immer kleiner werden. Die Multiplikation schafft neue Farben und einen Eindruck vom aktuellen Wetter. Es soll die ‹Aura› des Wetters vermittelt werden. Die Grafiken sind vom amerikanischen Maler Mark Rothko inspiriert. Er war bekannt für den Abstrakten Expressionismus und ebnete den Weg für die Farbfeldmalerei. Unter Aura versteht man eine Studie zur emotionalen Visualisierung von Wetterdaten.

Machen Autos überhaupt Sinn? Sie gelten als Inbegriff von Freiheit und sind als Fortbewegungsmittel in den letzten 100 Jahren so selbstverständlich geworden, dass sich die meisten Menschen von ihnen transportieren lassen. In den Städten nehmen sie durch ihre schiere Menge viel Platz ein, sowohl auf den Straßen im laufenden Verkehr als auch parkend am Straßenrand. Ihr Aussehen hat sich verändert von klein und niedlich zu groß und bedrohlich. Manchmal so groß, dass das Einsteigen ohne Hilfsmittel gar nicht möglich ist.

Die Website ist als erweiterbares Bilderbuch konzipiert, dass sich durch Scrollen bedienen lässt. Analoge Malereien werden mit Adobe Illustrator ins Digitale übertragen und mit CSS und JavaScript animiert.

Was passiert, wenn zwei Generationen, zwei Gesellschaften und zwei völlig unterschiedliche politische Realitäten in einer einzigen Bildsprache aufeinandertreffen? Das Projekt Back to 1969, but make it Polish verbindet ikonische Aufnahmen des legendären Woodstock-Festivals von 1969 mit Bildern der ersten fünf polnischen Woodstock-Festivals der 1990er Jahre. So entsteht ein visueller Dialog zwischen zwei historischen Momenten, die sich ästhetisch, kulturell und politisch stark unterscheiden. Woodstock 1969 war Symbol für Freiheit, Protest und den Geist der Hippie-Bewegung. Sechsundzwanzig Jahre später, im Jahr 1995, erlebte das Woodstock Festival in Polen eine Wiedergeburt, die jedoch in einem völlig anderen Kontext stattfand — Nach dem Fall des Kommunismus versammelten sich tausende junge Menschen, die sich mit Themen wie Freiheit und Identität auseinandersetzten — jedoch unter den neuen Bedingungen einer postkommunistischen Gesellschaft. Die Bilder aus 1969, die oft von Idealismus, Zusammengehörigkeit und einem starken Gefühl der Hoffnung auf eine bessere Welt geprägt sind, stehen im Kontrast zu den polnischen Woodstock-Bildern der 90er Jahre, die von einer Generation geprägt sind, die gerade erst die Freiheit entdeckt. Die Collagen werden nicht nur zu einem visuellen Experiment, das zeigt, wie sich die Ideale von Freiheit, Protest und Gemeinschaft im Laufe der Zeit verändert haben, sondern auch zu einer Plattform, um die polnische Musikszene zu erkunden. Das Projekt verbindet die Vergangenheit und Gegenwart der Woodstock-Bewegung. Es wird deutlich, wie sich der Kampf um Freiheit und gesellschaftlichen Wandel je nach Zeit und Ort unterschiedlich gestaltet — und dennoch eine gemeinsame Sehnsucht verbindet.

In Auseinandersetzung mit der systematischen Buchgestaltung des 16. und 17. Jahrhunderts und ihren komplexen Verweissystemen entstand ein vielschichtiges Layout für eine fiktive Neugestaltung des Katalogs, der die Ausstellung Barock im Vatikan – Kunst und Kultur im Rom der Päpste (Kunst- und Ausstellungshalle der Bundesrepublik Deutschland, Bonn, 2005) begleitete.

Die Stadt, die Janna Thaden am besten kennt, Berlin, die ihr schon lange ein Zuhause gibt, scheint sich seit ein paar Jahren städtebaulich und architektonisch schnell zu verändern. Städte können als soziale Organismen begriffen werden, dessen gebaute Zeitschichten sich aufeinander häufen und deren geschichtliche Ereignisse sich materiell ablagern und ablesen
lassen. Insbesondere das Stadtbild Berlins ist aufgrund ihrer Historie von früheren Zerstörungen, Modernisierungsschüben und wechselnden Leitbildern in gekennzeichnet. Die dabei einwirkenden Mechanismen liefen dabei meist konträr ab. Auch die aktuelle Entwicklung ist von großem Widerspruch geprägt: Linke Räume werden polizeilich geräumt und aufgelöst, es herrscht großer Bedarf nach bezahlbarem Wohnbau oder Sozialwohnbauten. Zur gleichen Zeit werden vermeintlich historische Gebäude rekonstruiert. Rekonstruktionsprojekte, wie das Berliner Stadtschloss, oder auch Humboldtforum dient hier als prominentes Beispiel.

Die interaktive Installation Bewegte Buchstaben lädt spielerisch in die Welt der Schriftgestaltung ein. Es ist nicht nur faszinierend zuzusehen, wie die sich stets verändernden Linien Buchstaben und Worte formen, man kann ihren Bewegungslauf auch selbst beeinflussen.

Das Projekt orientiert sich gestalterisch und konzeptionell an der Isotype, der Wiener Methode der Bildstatistik, die von Otto Neurath und Gerd Arntz ab 1925 entwickelt wurde. Isotype ist eine international verständliche Zeichen- und Symbolsprache, die komplexe Inhalte durch einfache grafische Darstellungen für Menschen mit niedrigem Bildungsniveau, zugänglich macht. Sie ermöglicht Einblicke in ökonomische Zusammenhänge und bietet Aufklärung über gesellschaftliche, soziale und politische Umstände. Mit Hilfe des figurativen Konstruktivismus wollten Neurath und Arntz direkt in die Gesellschaft hineinwirken. Besonders Arntz stellte die gesellschaftlichen Zusammenhänge von Kapitalismus und Krieg stets kritisch dar. Inhaltlich hat die Studentin sich in diesem Projekt mit der Notwendigkeit einer solidarischen Arbeiter:innenklasse auseinandergesetzt. Diese beruht auf der Theorie, dass die Kämpfe der Arbeiter:innen global verbunden werden müssen. Sie braucht eine starke lokale Basis, um so international überzugreifen und den Kapitalismus zu zerschlagen. Der Kampf um Befreiung ist international und kann nur gemeinsam, als vereinigte Klasse, bestritten werden. Dafür braucht es nicht nur eine Solidarität auf theoretischer Basis, sondern in einer kämpferischen Praxis auf einer übernationalen Ebene. «Damals war in der Tat noch Hoffnung, dass man die Oberklasse wegfegen würde, und diese Hoffnung lag auf den Arbeitern.»[^Dorn, Anja. Die Gesellschaft der Zeichen: Piktogramme, Lebenszeichen, Emojis. Freiburg: Verlag der Buchhandlung Walther König, 2021.] Er habe ‹Lehrbilder› machen wollen, die die nächsten Aufgaben anzeigten, «Kasernenbesetzung, Fabrikbesetzung und solche Dinge.»[^ebd.], sagte Gerd Arntz 1980 in einem Interview.

Wie lange sitze ich vor dem Bildschirm? Wie lange benutze ich die Apps der Kategorien Soziale Netzwerke, Produktivität und Kreativität? Vergeht ein Tag am Bildschirm schnell oder langsam?

Diese Installation zeigt die persönliche Bildschirmzeit der Autorin. Ein Tag besteht aus drei Kreisen mit drei Farben: Weiß für soziale Netzwerke, Rosa für Produktivität und Blau für Kreativität. Die unregelmäßigen Abstände zwischen den Kreisen beantworten die ‹Wie lange?›. Wenn ein Tag vorbei ist, kommt ein neuer Tag. Der Illusionseffekt der im Loop laufenden Kreise entspricht der Wahrnehmung der Zeit. Der Bildschirm scheint uns zu verschlucken.

Black helix ist eine eine assoziative Visualisierung klinischer Depression. Klinische Depressionen werden noch immer häufig tabuisiert oder nicht ernst genommen. Ausdruck dieses Unverständnisses ist auch, dass es kaum klischeebefreite Darstellungen der Krankheit gibt. Durch dieses Projekt soll ein Ansatz gefunden werden, Depressionen visuell Ausdruck zu verleihen, ohne auf generische Darstellungsformen zurückzugreifen. Die Angaben einer Depressionspatientin dienen dabei als Daten, aus denen assoziative Plakate generiert werden, die die Gefühle und Gedankenspiralen der betroffenen Person als auch die Sensibilität des Themas einfangen sollen.

”Es bewegt sich alles, Stillstand gibt es nicht.“ forderte der Künstler Jean Tinguely 1959 in seinem Manifest Für Statik. Eine Aufforderung, den Lauf der Dinge anzunehmen und mit der Bewegung des Kosmos mitzuhalten. Durch den Einfluss von Medien und Technologie ist unser Leben zunehmend von Geschwindigkeit geprägt. Für Designer:innen bedeutet das, auf diese Entwicklungen zu reagieren und sie in ihre Entwurfsprozesse mit einzubeziehen. Wie wichtig ist dabei das Verweilen im Augenblick, um uns der Details und Umstände als Gestalter:innen bewusst zu werden, sie zu hinterfragen und aktiv mit- und umzugestalten? Wie setzen und beeinflussen wir Parameter im Sinne eines spannungsvollen Moments? Welche Rolle spielt die Irritation des Raumes, das Gefühl, Zeit zu erfahren, oder das Eintauchen in andere Perspektiven? Indem wir das Gewesene in unsere Experimente miteinbeziehen, kann etwas Neues entstehen. Bleibt bewegt — eine künstlerische Untersuchung von Bewegungsformen und deren Wandelbarkeit, in der Bewegungen unterschiedlicher Art, Geschwindigkeit und Ausdehnung miteinander kombiniert, eine Einheit ergeben. Im Changieren der Mitteltöne und der Interaktion mit Schrift wird die Bewegung in einem spannungsvollen Moment festgehalten und erfahrbar.

Das Designprojekt Blow out visualisiert drei Songs, mit denen die Autorin persönliche Momente verbindet. Die digitalen Daten der Songs sprengen die Grafik in Zeitlupe — in Form einer Slow Motion Explosion. Die Betrachter:in kann das Plakat durch Steuerung mit der Maus editieren. So entstehen Linien, an denen ein Pendel entlangläuft, das den Text des Songs zufällig auf dem Plakat verteilt. Die generierten und jeweils einzigartigen Plakate können gespeichert werden. Die Arbeit verbindet klassisches Grafikdesign mit den Prinzipien des Creative Codings.

Da die Grenzen zwischen Mensch und Maschine immer mehr verschwimmen, ist <body>building eine Sammlung an Projekten und Ideen, die darauf abzielen, den menschlichen Körper durch Technologie zu überwinden und zu erweitern. Von bionischen Gliedmaßen und Augen über die Entwicklung neuer Sinne bis hin zur Verlängerung der Lebenserwartung — diese Projekte definieren neu was es heißt, Mensch zu sein. Die Projekte sind auf einer virtuellen Fläche angeordnet, einer Body-Surface-Area, die anhand der eigenen Körperoberfläche berechnet wurde. Auf ihr wurden die Projekte entsprechend der jeweiligen Körperteile platziert, mit der Frage im Hintergrund: how could I build my body?

Sammeln Sie Punkte? Nein?! Wieso nicht? Wollen Sie etwa nicht von den tollen Prämien, den vielen Vorteilen und Vergünstigungen profitieren? Wollen Sie nicht gesammelt und gespeichert werden? Weiterverkauft für Werbezwecke oder für Analysen benutzt? Wie viel persönliche Informationen würden Sie für einen Rabatt preisgeben? Haben Sie sich schonmal gefragt, ob der Wert der Punkte für Ihre Daten überhaupt angemessen ist?

Mit diesem Thema setzt sich die Webseite Bonus(punkt)de auseinander. Einen Monat lang wurden die Einkaufsgewohnheiten verschiedener Konsument:innen betrachtet und mithilfe verschiedener Webseiten, Artikel oder anderer Quellen analysiert, welche Erkenntnisse sich aus der Einkaufsfrequenz, der Einkaufszeiten oder der Auswahl der Produkte ermitteln lassen. Das Ergebnis: Je umfangreicher oder privater der Datensatz wird, desto wertvoller wird dieser für das ermittelnde Unternehmen. Je größer und diverser die Zielgruppen, desto mehr Informationen lassen sich aus diesen Daten entnehmen. Je länger der betrachtete Zeitraum, desto mehr lässt sich über die Liquidität, den Geschmack und quasi die gesamte Persönlichkeit ermitteln — man wird zum gläsernen Menschen. So lassen sich zusätzlich zur generellen Rabattaktion individuelle Werbung zur Kundenbindung einsetzen, gezielt Produkte ins Portfolio aufnehmen und zusätzlich noch Geld mit den ermittelten Daten am Markt verdienen. Lassen Sie sich inspirieren und denken Sie darüber nach, ob Sie den nächsten Einkauf wirklich über Ihr Payback-Konto laufen lassen.

Auf metaphorische Weise untersucht dieses Projekt den assoziativen Weg unserer Gedanken — den Daten unserer Wahrnehmung. Ein Gedanke führt zum nächsten und wieder nächsten, bis ein unaufhaltsamer Schwung eine neue Komplexität bildet, in der der ursprüngliche Impuls nicht mehr erkennbar ist.
Text als greifbarer Ausdruck der Gedanken: Das Skript generiert zufällig (und modellhaft) Wörter aus dem Javascript-Lexikon, welche aufeinander reagieren. Scheinbar ohne Plan lassen sich doch Beziehungen zwischen Wörtern und ihrer Bedeutung erkennen. Der parametrische Aspekt liegt hier in der Semantik, die durch das rekursive Verhalten der Textbausteine immer wieder neu erzeugt wird.

Die einzigartige Sprache Richard Buckminster Fullers, irgendwo zwischen Science-Fiction, Wissenschaft und Tagebucheintrag, lieferte den Impuls zu dieser Arbeit von Eva Mitschke. Markante ‹Bucky-Worte› wurden aus den Texten gefiltert, gezählt und ihrer Häufigkeit entsprechend vergrößert, so dass sie aus den Texten hervortreten. Mind-Maps und assoziative Bilder visualisieren die größeren Zusammenhänge der Texte und eröffnen dem Leser einen optischen Zugang zum Universum Buckminster Fuller.

Bucky Bible kreist um die Figur Richard Buckminster Fullers. Selbiger war vieles: Schriftsteller, Designer, Architekt, Philosoph und Visionär seiner Zeit, ein Guru für die Hippies — ihr Prophet. In Anlehnung an diese besondere Stellung, die Buckminster ‹Bucky› Fuller in der Gegenkulturbewegung der 1960er Jahre einnahm und daran, dass viele seiner Ideen auch heute noch inspirierend sind, entstand eine Bibel mit seinen Schriften — unterbrochen durch ein Psalmbuch mit ausgewählten Zitaten.

Burning questions ist ein Publikationsprojekt, das Fragen mit Fokus auf Diversität, Inklusion und Pluralismus im Kontext von Designlehre und -theorie sammelt. Über einen Open Call wurden feministische Mitstreiter:innen, Kollektive sowie Einzelpersonen eingeladen, Plakate mit Fragen, Texte, Referenzen und Projekte einzureichen, die diese Themen kritisch beleuchten. Als eine Art Kompendium ermöglicht die Publikation Personen, Bücher, Texte und andere Quellen zu referenzieren, die zu diesem Projekt und den Fragen inspiriert haben. Das Ziel der Publikation ist es, bestehende Strukturen zu hinterfragen und einen Austausch anzustoßen, der Relationalität in der Designpraxis diskutiert.

Mit der Cage-Maschine können sich die Ausstellungsbesucher:innen Kurzvorträge im Stile von John Cage per Knopfdruck erstellen lassen: Ein Zufallsalgorithmus generiert aus den beiden Vorträgen von Cage Lecture on Nothing[^Cage, John. Silence: Lectures and Writings. Middletown, CT: Wesleyan University Press, 1961.] und Lecture on Something[^ibid.] neue Texte. Der Besuchende kann am Bildschirm mitverfolgen, wie die Wörter aus den beiden Vorträgen zu einem neuen, individuellen Text zusammen gesetzt werden. Jeder Text wird mit Laufnummer, Datum und Uhrzeit der Herstellung sowie dem Foto des Besuchenden versehen und kann von ihm mitgenommen und (vor)gelesen werden. Alle Texte werden gesammelt und in einem Buch zusammengefasst. So wird das Buch, das bei jeder Ausstellung aufs Neue produziert wird, von den Besucher:innen der jeweiligen Ausstellung definiert.

Drei Cahiers, drei Themen. Die wiederkehrende Struktur der Inhalte bestimmt die grundsätzliche typografische Form, die Farbe der Hefte darf sich verändern. Aufmerksame Betrachter:innen entdecken die Abweichungen innerhalb des Gestaltungssystems. Systeme leben dadurch, dass sie entworfen und umgesetzt werden. Aber damit sie (über)leben, müssen sie flexibel und anpassungsfähig sein.

Die Abschlüsse, die in der CallMe #6 präsentiert werden, entstanden in einer Zeit, in der die Orte des Zusammenkommens fehlten und vertraute Kommunikationswege unterbrochen waren. Wo sonst Austausch und Zufall Begegnungen ermöglichten, blieb nur die digitale Verbindung – effizient, aber ohne Umwege. Diese Ausstellung will die unsichtbaren sozialen Energien sichtbar machen, die uns dennoch verbunden haben: wie sie zirkulieren, uns tragen und ein Netzwerk bilden.

Wir fragen: Wer hat wen beeinflusst, gestützt, erinnert? Wächst dieses Netzwerk nach dem Abschluss weiter oder löst es sich auf? Wir machen die Wege und Umwege der Absolvent:innen sichtbar und geben dem sozialen Geflecht unserer Studienzeit eine Gestalt – als Reflexion über Verbindung, Kommunikation und Gemeinschaft.

Können Inhalte auch ohne konventionelle Gestaltungsregeln erfahrbar gemacht werden? Ist Lesbarkeit der Maßstab für Designerfolg? Diese Dissertation untersucht Lesbarkeit durch dekonstruktive Gestaltungsstrategien. Mithilfe von Eye-Tracking-Software visualisiert der Student Leseprozesse in einer Reihe von Experimenten, in denen sich die Teilnehmer mit unterschiedlich gestalteten Texten auseinandersetzen. Durch die Beobachtung von Augenbewegungen und die Durchführung von Interviews eröffnen sich neue Perspektiven auf Lesbarkeit. Diese Visualisierungen hinterfragen traditionelle Gestaltungspraktiken und fördern eine interaktivere Beziehung zwischen Designer und Leser.

Mit seinem Projekt Cash rules everything around me möchte der Student die allgegenwärtige Macht des Geldes und unsere davon bestimmte Realität auf eine humoristische Art und Weise abbilden. Der Titel seiner Arbeit stammt aus dem Song Cream der Gruppe Wutang Clan, dessen Refrain sich durch die Serie zieht. Die zugrunde liegende Maxime dieses Wirtschaftssystems und der daraus entstandenen Demokratie und Gesellschaft ist die Profitmaximierung; Häuser werden nicht gebaut, damit Menschen in ihnen leben können, sie werden gebaut, um Profite zu generieren. Waffen werden nicht für Friedensmissionen oder für die Verteidigung der sogenannten westlichen Werte gebaut, sie werden gebaut, um Profitinteressen durchzusetzen. Diese bürgerliche Demokratie ist die Verwaltung dessen: wir dürfen entscheiden, welche Kapitalfraktion uns regiert, und unsere Mitbestimmung endet, wo der Besitz der herrschenden Klasse anfängt, der Kapitalismus wird sich nicht abwählen lassen. Es reicht nicht gegen Obdachlosigkeit, für Friedensverhandlungen oder für mehr Demokratie zu sein. Julian Ebel möchte eine klassenlose Gesellschaft, einen totalen Bruch mit dem Kapitalismus und seiner bürgerlichen Demokratie, für die Gesellschaft, in der alle Menschen gut leben können. Frieden, Zukunft, Sozialismus!

Marshall McLuhan gilt als Begründer der mo­dernen Medienwissenschaften. Er hat mit Sicht auf unsere heutige mediale Umwelt und ihrer Auswirkungen nahezu prophetische Vor­hersagen getroffen. Der Ausgangspunkt der vorliegenden Arbeit ist ein fiktives Interview der amerikanischen Zeitschrift Wired aus dem Jahre 1996, 16 Jahre nach McLuhans Tod.[^Gary Wolf. Channeling McLuhan. Wired: 1996] Gary Wolf be­fragt darin McLuhan nach seinen Ansichten zu unserer heutigen digitalen Gegenwart. Die Gestaltung der Broschüren bewegt sich im Spannungsfeld zwi­schen Geisterbeschwörung und medialer Welt; mit düsterem Schwarz für die Cover und in Anlehnung an die Ästhetik der digitalen Welt mit einer mono­spaced Schrift (Referenz: Coding) und der blauen Auszeichnungsfarbe (Referenz: Hyperlinks). Das Heft besteht aus fünf A3-Bögen, die ineinander gelegt und mit einem Gummiband fixiert sind. Um das komplet­te Interview lesen zu können, müssen die Leser:innen sich auf die Publikationsform einlassen und eigene Verbindungen herstellen.

In einer Welt, die immer schneller, lauter und anspruchsvoller wird, sind psychische Probleme weit verbreitet. Die Gründe dafür sind vielfältig und komplex. Laut einer Studie der Deutschen Gesellschaft für Psychiatrie und Psychotherapie, Psychosomatik und Nervenheilkunde (DGPPN) sind etwa 27,8 % der erwachsenen Bevölkerung jedes Jahr von einer psychischen Erkrankung betroffen. Das sind rund 17,8 Millionen Menschen. Trotz der hohen Anzahl an Menschen, die unter psychischen Problemen leiden, ist der Zugang zu Therapieplätzen begrenzt. Die Wartezeiten sind lang, die bürokratischen Hürden hoch und die Zahl der Therapeut:innen oft zu gering, um den Bedarf zu decken. Diese Engpässe sind eine direkte Folge von politischen Entscheidungen darüber, wie viele Ressourcen in die Ausbildung und Finanzierung von Psychotherapeut:innen investiert werden. Die Plakate sollen nicht nur die Aufmerksamkeit auf das Problem lenken, sondern auch eine emotionale Reaktion hervorrufen, um ein tieferes Verständnis für das Leben mit psychischen Problemen in einer Welt mit strukturellen Hindernissen zu schaffen. Wir müssen sicherstellen, dass psychotherapeutische Behandlung für alle zugänglich ist. Wir müssen das Bewusstsein für die psychische Gesundheit schärfen und das Stigma abbauen, das nach wie vor mit psychischen Erkrankungen verbunden ist. Wir müssen die Notwendigkeit von Therapie ernst nehmen. Wir müssen darüber sprechen, zuhören und unterstützen. Wir müssen eine Kultur der Offenheit und Akzeptanz fördern, in der es in Ordnung ist, nicht in Ordnung zu sein.

Wir treffen uns auf der Straße, im Park, am Kiosk und im Internet. Einem Netzwerkkonzept, das in seiner Grundidee offen für alle sein sollte, Kommunikation und gemeinschaftliche Entwicklungen auf revolutionäre Weise zu fördern versprach. Wenige Jahre nach ihrer Entstehung wurde bereits klar: Digitale Räume bieten einen fruchtbaren Boden für Kommerzialisierung. Heute sind Netzwerke und Plattformen aus dem Alltag kaum wegzudenken. Wir erstellen kostenlose Accounts und geben im Gegenzug unsere Daten an Betreiber:innen ab.

CPCS.live verfolgt das Ziel, aufzuzeigen, wie wir eine öffentliche und unentgeltliche Plattform aufbauen können. Immer wenn privatwirtschaftliche Interessen über ein gemeinschaftliches Miteinander gestellt werden, lassen wir uns die Technik nicht nehmen und bauen selbst mit.

Co-Learning ist eine Online-Lernplattform für Design mit Tausenden von inspirierenden Tutorials und kreativen Veranstaltungen für die kreative Gemeinschaft. Mit Co-Learning können Mitglieder von unserer Bibliothek profitieren und gleichzeitig spenden, um Menschen in Not während Covid-19 zu helfen.

Die Humboldt-Brüder arbeiteten in der Tradition der europäischen Aufklärung. Alexander wurde als Naturwissenschaftler und empirischer Wissenschaftler international bekannt, Wilhelm als Diplomat, Philosoph und Bildungstheoretiker. Beide waren an Veränderungen beteiligt, die bis heute unsere liberale Weltordnung beeinflussen. Mit ihren fortschrittlichen Ansichten und Forschungsergebnissen prägten die Brüder die Schnittstelle zwischen der alten und neuen Welt.
 
Das Nachspüren dieser Schnittstelle ist das Leitmotiv der Kataloggestaltung. Die beeindruckenden Folianten, die Alexander von Humboldt zu Lebzeiten veröffentlichte, waren Inspiration für die Entwicklung des Layouts. Das Farbkonzept — ein raffiniertes Spiel lebhafter Pastelltöne – ist dem Klassizismus entlehnt, der Stilepoche, die das europäische Leben beider Brüder prägte. Als primäres Gestaltungselement wird die Farbe zur Präsentationsfläche der Objekte. Und indem sie die Kapitel voneinander abhebt, dient die Farbe zusätzlich der Orientierung.

In einer Welt, in der digitale Technologien und Algorithmen zunehmend kreative Prozesse formen, untersucht Computerkunst die Verbindung zwischen Code und Kunst. Das Projekt macht die Entwicklung der algorithmischen Kunst erfahrbar — von den ersten computergenerierten Werken der 1960er bis zu den heutigen digitalen Ausdrucksformen. Der interaktive Zeitstrahl zeigt, wie sich Computerkunst über Jahrzehnte verändert hat, während das Tool Nutzern ermöglicht, eigene generative Kunstwerke zu erschaffen. Mathematische Strukturen treffen auf kreative Intuition, Zufall auf Berechnung — und stellen die Frage: Ist der Computer nur ein Werkzeug oder ein kreativer Akteur? Computerkunst schafft einen Raum, in dem Algorithmen nicht als Konkurrenz, sondern als Erweiterung künstlerischer Möglichkeiten verstanden werden. Die Grenze zwischen Mensch und Maschine, zwischen Regelwerk und künstlerischer Freiheit wird ausgelotet — und dabei sichtbar gemacht, wie Kunst aus Code entstehen kann.

Die meiste Zeit ihres Lebens hielt sich Amalia Gärtner für einen Menschen, der nicht gerne (oder überhaupt nicht) liest. Aber es fasziniert sie, darüber nachzudenken, wie ein Text präsentiert werden kann. Natürlich fühlt sie sich eher zu chaotischen und spannenden Layouts hingezogen. Deshalb beschloss sie, einige Nachforschungen zur Typografie-Theorie über Chaos und Ordnung anzustellen. Ziemlich schnell fand sge heraus, dass der eigentliche Inhalt nicht vermittelt werden kann, wenn die Typografie zu kunstvoll ist. Daher setzte sie sich folgendes Ziel für dieses Projekt: Es sollte überschaubar sein, aber auch den unwiderstehlichen Look des Chaos haben. Sie experimentierte und versuchte, ein System zu finden, aber nichts sah zufriedenstellend aus.

Eines Tages versuchte sie, einige Absätze mit CSS Grid zu layouten und machte aus Versehen etwas, das gut aussah. Und sie dachte bei sich: Ist es das, was Chaos ausmacht? Etwas, das man nicht absichtlich macht? Daraus hat sie ihre Lektion gelernt: Man kann das Chaos nicht kontrollieren. Man muss es umarmen. Aber Chaos entsteht nicht aus dem Nichts; man muss es irgendwie in Gang setzen.

Amalia benutzte HTML, CSS und Paged.js als Werkzeuge und wollte die Möglichkeiten, die sie zu bieten haben, demonstrieren. Die Website enthält auch Bilder, die durch den Hover-Effekt aufpoppen. Allerdings kann man sich immer nur ein Bild auf einmal ansehen. Wenn man alle Bilder sehen will, muss man die Website ausdrucken. Dieser Effekt beruht auf der Idee, dass es einfach ist, online zu bleiben, während man Inhalte konsumiert. Auf Websites kann man über Hyperlinks oder verschiedene Registerkarten ein Bild nachschlagen, wenn man es braucht. Im Gegensatz dazu ist ein Buch nicht flexibel; es ist auf sich selbst beschränkt, sobald es gedruckt ist. Wenn man sich also zwischen einer Website und einem Buch entscheiden müsste, wäre eine Website natürlich die wertvollere Option.

«The idea that we experience life, sometimes discrimination, sometimes benefits, based on a number of identities.» — Kimberlé Crenshaw

Constellation of oppression ist ein grafisches Kunstwerk, das auf wissenschaftlichen Studien basiert, die sich mit der Dimensionalität von Diskriminierung in Deutschland befassen und hinterfragen, wie die Anzahl der Identitäten eines Individuums seine Erfahrungen in einer Gesellschaft der westlichen Welt beeinflussen kann.

Intersektionalität ist eine Methodologie, die die Wahrnehmung von Macht, die sich in sozialen und beruflichen Beziehungen überschneidet oder verschränkt, untersucht. Dieser Ansatz weist darauf hin, dass Geschlecht, ethnische Zugehörigkeit, Klasse oder sexuelle Orientierung miteinander verknüpft sind. Mit dieser Theorie soll gezeigt werden, dass Ungerechtigkeit und soziale Ungleichheit auf Identitätsmerkmalen beruhen.

Das Ziel dieses Projekts mit feminisitischem Ansatz ist es, durch die Visualisierung von Daten ein Bewusstsein für Intersektionalität zu bekommen. Die in diesem Projekt verwendeten Daten stammen aus dem Bericht Diskriminierungserfahrungen in Deutschland - Ergebnisse einer repräsentativen Befragung von Betroffenen im Auftrag der Antidiskriminierungsstelle des Bundes (2017). Leider werden bei einer Studie, die sich auf Frauen und Männer bezieht, Menschen, die nicht der Geschlechterbinarität angehören, bei der Datenerhebung fast vollständig ausgeschlossen.

Willkommen auf Cookie Island!
Ein Paradies wo individuelle und informationelle Selbstbestimmung obsolet ist. Aber das interessiert euch schon lange nicht mehr – Selbstbestimmung! Eure Abhängigkeit zu uns hat euch seelisch-geistig Abgestumpft, ihr seit dickfällig gegenüber der Realität, getreckt, analysiert, zerlegt und modifiziert zu werden. Unwissenheit und Ignoranz ist euer Utopia. Selbstverständlich ist es schwierig sich unseren absoluten Machtanspruch zu verwehren. Unsere Operationen sind so gestaltet, dass sie sich eurer Wahrnehmung entziehen. Im nano sekündlichen Takt generieren wir neues Wissen, dass wir aus euren Metadaten generieren. Wir sind damit in der Lage euer Verhalten vorauszusagen und somit es auch zu lenken! Dieses neue Wissen teilen wir gerne mit einer ausgewählten Elite, die euch hilft die richtigen Produkte, Dienstleistungen und Meinungen zuhaben. Danke, eure Daten sind unsere wirtschaftliche Ressource! Eure Kooperation läßt unsere regulierungsfreien Verhaltenterminkontraktmärkte florieren. „Des Geistes Licht, des Wissens Macht, Dem ganzen Volke sei’s gegeben!“ — Francis Bacon.
😂 😂 😂 Willkommen im Überwachungskapatilismus, Humankapital! Google, Amazone, Facebook, Microsoft, ……….

Wofür steht der Begriff Kopie und welche Rolle spielt das Original? Was bedeutet Originalität in Zeiten des Internets? Die Arbeit Copia untersucht, welche kreative Relevanz das Kopieren für zeitgenössische Grafikdesigner:innen hat. Angelehnt an die eigene Vorgehensweise im Gestaltungsprozess wird anhand von Arbeiten ausgewählter Designer:innen der Prozess des Kopierens durchlaufen und anschließend für das Schaffen eigener Variationen genutzt. Ausgangspunkt ist hierbei die Auseinandersetzung und Erfahrbarkeit des jeweiligen Gestaltungsansatzes, um diesen weiterführend als Impuls für die eigene Arbeit zu verstehen.

Corporate Identity Relaunch für die Galerie und den Kunstraum Island in Hamburg. Seit 2012 bietet das Island eine neue Plattform für Ideen und Konzepte in Hamburg. Der 156 Quadratmeter große Ausstellungsraum mit zwei Ebenen ist im Grunde ein ‹White Cube›, der die kulturelle oder private Veranstaltung, die in ihm stattfindet, nicht beeinträchtigt. Aus diesen Überlegungen heraus, das Island als gesichtsloser Off-Raum, wurde das Konzept für den Relaunch der Corporate Identity geboren. Die Identität basiert auf einem einfachen Konzept: Unsichtbarkeit. Die Menschen sehen das Island als einen weißen Würfel, einen leeren Raum, der von seinem temporären Besitzer genutzt und umgestaltet werden kann. Entsprechend dieser Erkenntnis testeten die Studentinnen die Grenzen des Grafikdesigns in Print und Web aus — immer unter Berücksichtigung des Konzepts.

Wir erforschen die Potenziale parametrischen Gestaltens, um ein durchdachtes und überraschendes Ausstellungskonzept zu entwickeln – und umzusetzen.
 Ausgangspunkt ist Play the System, ein Archiv mit über 300 studentischen Projekten aus zwanzig Jahren Forschung zum regelbasierten Entwerfen. Die Sammlung zeigt, wie vielseitig und inspirierend systemisches Gestalten sein kann – von Büchern über animierte Plakate bis zu eigens programmierten Tools. 
In experimentellen Workshops entwickeln wir dynamische Systeme, die Gestaltung nicht nur strukturieren, sondern auch anregen. Durch spielerische Manipulation von Parametern entstehen neue, oft unerwartete Varianten.
 Wir kuratieren das Archiv, sprechen mit den Gestalter:innen über ihre Erfahrungen und entwickeln daraus ein Ausstellungskonzept, das wir selbst realisieren – im Juli 2025 im Kultur&Gut Altona.

Die Signale der Ampelschaltung auf dem Potsdamer Platz in Berlin beeinflussen den visuellen und akustischen Rhythmus der Installation Crossing Circles. 1924 stand hier, auf dem damals verkehrsreichsten Platz in Europa, die erste Ampel Deutschlands. Das unbändige Leben der Großstadt wird durch modernste Technik reguliert.  

Die Ampel wird im wahrsten Sinne zu einer ‹Lichtgestalt› der Moderne. Und sie ist ein früher Protagonist, ein Pionier in der gerade sehr aktuellen Erzählung über die Hassliebe von Mensch und Maschine – der Regulierung des gesellschaftlichen Lebens durch Technik – als Verheißung, Alltag, aber auch als Fluch des Fortschritts.   

Crossing Circles verwandelt die Daten der Lichtsignalanlage Potsdamer Straße/Ebertstraße/Stresemannstraße, wie sie korrekt heißt, in ein sinnliches, audiovisuelles Erlebnis, das nur noch entfernt seinen Ursprung und damit konkrete Informationen preisgibt. Crossing Circles ist eine Einladung zur spielerischen Erkundung, bei der Neugier und Lust das Regelwerk bestimmen.

CRY—CLEANSE—CARE ist ein research-basiertes Projekt und untersucht die Frage, was Ruhe und Erholung in einer kapitalistischen und patriarchalen Gesellschaft für marginalisierte Personen bedeutet. Wie können wir zeigen, dass Erholung auch ein Akt des Widerstands ist? Wie schaffen wir einen dekolonialen, heilenden Raum?

Als eine Gruppe von drei Designstudierenden mit postmigrantischen und dekolonialen Perspektiven erforschen wir Gemeinsamkeiten sowie Unterschiede unserer eigenen Erfahrungen und arbeiten interdisziplinär.

Der Appell CRY—CLEANSE—CARE ist die Grundlage unseres nichtlinearen Manifestes. Wir laden Besucher*innen ein, das Land der Verletzlichkeit zu betreten—verflochten in einen Teppich. Um zu heilen— zu sein—zu entspannen.

 «Justice for lazy immigrants!» war ein Zitat von ALOK (Alok Achkar Peres Petrillo) während deren Show in Hamburg im Oktober 2022. ALOK ist ein:e international gefeierte:r Autor:in, Dichter:in, Comedian und Redner:in und erforscht in deren Arbeiten Themen wie Trauma, Zugehörigkeit und den Zustand des Menschen.

Eine Hommage an eine der beliebtesten Schriften Futura und seinen Gestalter Paul Renner, basierend auf dem von ihm geschriebenen Buch Die Kunst der Typographie. Der Student hatte das Bedürfnis sich bei Renner für sein theoretisches und praktisches Werk zu bedanken. Bei der Gestaltung verzichtet er bewusst auf die mathematische Zerlegung der Futura, um stattdessen die Freude zu visualisieren, die er empfindet wenn er mit dieser Schrift arbeitet. Besonders beim Arbeiten im kreativen Metier funktioniert so gut wie nichts ohne einen Gegenspieler. Ob bei der schon etwas verstaubten Vorstellung einer Muse oder das uns allen bekannte ‹Ping Pong Spielen› der Ideenfindung, geht es immer um die kreative Interpretation mit dem Umfeld. Man spielt sich Ideen zu, klaut und verändert sie, bis etwas Neues entsteht. Im Kontext der Manifeste ist diese Animation übrigens auch mit dem Aufstellen und Brechen designrelevanter Regeln zu verstehen.

Du hast dich aufgemacht zu diesem Archipel, du bist auf direktem Wege und doch versuchst du es mit aller Kraft zu umschiffen. Letztendlich führt für dich aber kein Weg daran vorbei. Du weißt warum du hier bist und doch hast du gehofft nie anzukommen. Auf dieses Archipel machst du keinen kurzen Ausflug. Du wirst verurteilt und bleibst. Vielleicht kannst du es eines Tages verlassen, vielleicht kehrst du kurz darauf wieder. Auf dem Festland sagt man, hier sammelt sich das Böse. Betrittst du diese Inseln, wirst du offiziell ein Aussätziger, Vergessener, Gefürchteter oder ein Mythos. Hier gibt es eigene Gesetze und Regeln. In diesem Machtgefüge stehst du ganz unten. Ganz sicher hinterlässt diese Zeit Spuren. Doch auf welcher Insel wirst du stranden und wie wird sie dich verändern?

Insel 03 — Offener Vollzug Wenn du dich bemühst, und dein bisheriger Weg es zulässt, kommst du auf Insel 03 nahe des Festlandes, welches du besuchen darfst. Du hast Kontakt zur Außenwelt. Hier kannst du dich frei bewegen und relativ selbstbestimmt arbeiten. Trotzdem musst du dich an strenge Regeln halten und verbringst die Nächte auf der Insel. Aber du hast eine Perspektive. Du hast ein Ziel vor Augen.

Insel 02 — Geschlossener Vollzug Die meisten landen auf Insel 02. Hier bleibt man unter sich. Machtkämpfe, Aggressionen und Angst, aber auch Disziplin und Struktur gehören an die Tagesordnung. Dies ist kein sicherer Ort. Du sehnst dich nach Kontakt zur Außenwelt und anderen Eindrücken. Es ist eintönig und beklemmend. Die Zeit vergeht langsam. Wenn du die Zeit gut überstehst, hast du eine Perspektive, doch die meisten kommen nicht unbeschadet davon.

Insel 01 — Einzelhaft Insel 01 ist zwar eine Privatinsel, allerdings eine der übelsten Sorte. Ein Käfig. Nur du allein, mit deinen Gedanken, ohne Ausweg und Kontrolle. Die meisten verlieren hier ihren Verstand, verletzen sich selbst oder werden zu Tieren. Die Zeit scheint stehen zu bleiben. Jeder Tag ist gleich. Es ist traumatisierend. Dein Körper wehrt sich — sträubt sich. Es ist Folter. Du hast keine Chance.

Stufen der Isolation in deutschen Justizvollzugsanstalten. Wie verhält sich die Realität zum im Gesetz festgeschriebenen Vollzugsziel und wie viel Freiheit haben Häftlinge der einzelnen Vollzugsarten? Anhand der Tagesabläufe verschiedener Insassen zeigt das Projekt die Flexibilität oder Eintönigkeit des Alltags in Haft und die gravierenden Unterschiede zwischen den Vollzugsarten. Abseits typischer Gefängnisklischees möchte lädt das Projekt zum Auseinandersetzen und Hinterfragen der Haftsituation in Deutschland ein und zeigt, was die meisten Verurteilten tatsächlich erwartet.

Julia Wrages Bachelorarbeit untersucht den Umgang dreier Zeitungen  –  der Süddeutschen Zeitung, der taz und der BILD  –  mit demselben Thema. Um Unterschiede und Gemeinsamkeiten erkennbar zur machen, wurde eine exemplarische Untersuchung an der Berichterstattung zum Attentat vom Boston-Marathon am 15. April 2013 vorgenommen.

Die Entscheidung ist gefallen. Du wirst gegen deinen Willen auf eine Insel verfrachtet. Schon direkt bei der Ankunft spürst du, dass die Strukturen dieser Insel bis in die feinsten Details deiner Existenz eindringen. Ab jetzt hast du zu gehorchen, sonst wirst du nie wieder Land sehen. Deine Individualität muss einer Nummer weichen. Wie du behandelt wirst, hängt von der Stufe ab, die dir zugewiesen wird. Grenzen und Zwang beherrschen deinen Alltag und ersetzten Freiheit und Selbstbestimmung. Du bist gefangen in einem gewaltigen Machtapparat, aus dem kein Entkommen mehr ist, dem jede Handlung und jedes Verhalten unterworfen wird. Willkommen auf dem Gefängnisarchipel.

In einem Gefängnis sind komplexe Machtstrukturen erforderlich, um den Gefangenen Disziplin und Ordnung einzuprägen, damit sie wieder Teil einer funktionierenden Gesellschaft werden können. Doch wie weit dringen diese Strukturen in die Existenz der Gefangenen ein? Anonymität, Grenzen und Zwang beherrschen deren Alltag und ersetzten Individualität, Freiheit und Selbstbestimmung. Es entsteht ein gewaltiger Machtapparat, aus dem kein Entkommen mehr ist, dem jede Handlung und jedes Verhalten unterworfen wird.

Literatur ist ein Spiel — ein Spiel mit einem unendlich formbaren Material: der Sprache. Auch Gestaltung ist ein spielerischer Prozess, und jedes Spiel folgt bestimmten Regeln. Bei der Wahl ihres Diplomthemas waren für Doro Sthamer zwei Aspekte entscheidend: Zum einen wollte sie ihren fachlichen Schwerpunkt, die Infotypografie, weiter vertiefen. Zum anderen interessierte sie die Rolle von Regeln im Designprozess — insbesondere, wie sie Gestaltungsabläufe transparenter machen können. Welche Funktion haben Regeln in der Gestaltung? Brauchen wir sie, um kreativ zu sein? Begrenzen sie uns, oder ermöglichen sie uns durch das Spiel mit ihren Grenzen neue Freiheiten? Der Roman Das Leben Gebrauchsanweisung des französischen Autors Georges Perec basiert auf einem komplexen, teils mathematischen Regelwerk, das dem Lesenden jedoch verborgen bleibt. Man muss diese Struktur nicht kennen, um die eigensinnige Geschichte zu genießen — doch wer sich mit den Regeln auseinandersetzt, entdeckt eine neue Dimension des Lesens.

«Wer hin und wieder auf dem Informationskanal Phoenix in eine Bundestagsdebatte gerät, der schaltet bald, hat er nicht ganz spezielle Neigungen, wieder woanders hin.» schreibt Kurt Kister in der Süddeutschen Zeitung.

Roger Willemsen verbrachte für sein Buch Das Hohe Haus ein Jahr auf der Besuchertribüne des Bundestages. Er beobachtete die Gesandten bei ihrer Arbeit. In seinen Beobachtungen wertschätzt er das Parlament – trotz seiner offensichtlichen Kritik. Das gleiche Ziel verfolgt das Projekt Das Parlament. Der immer gleiche Ablauf, der Takt und die Genauigkeit der Parlamentsprotokolle waren eine geeignete Grundlage für eine grafische ‹Beobachtung› der parlamentarischen Arbeit. Aus der algorithmischen Untersuchung der Texte wurde ein Buch, dass das Lesen der Protokolle interessant macht.

Erschaffen, Zerstören, Entdecken, Verwerfen, Erweitern, Versuchen, Scheitern, Verstärken, Stören, Zerfallen, Bewegen, Entfernen, Drehen, Kopieren, Ordnen, Wiederholen: Motivierende Sprüche und oberflächliche Ratschläge sollen uns in unserem Schaffen bestärken und weiterhelfen. Werden jedoch solche Aussagen umgekehrt, offenbaren sich oft unerwartet positive, tröstende oder inspirierende Botschaften: Lege deine Selbstsicherheit ab! Gib dein Streben nach Perfektion und Anerkennung auf! Habe keine Angst! Schönheit liegt in deinen Fehlern, im Unerwarteten, im Scheitern! Jegliche Formen und Muster bieten unerwartetes Potenzial für die Gestaltung: Das Poster erwacht zum Leben, es macht sich selbstständig und widerspricht letztendlich seinem Schöpfer.[^Inspiriert durch: Kessels, Erik. Failed it!. New York: Phaidon, 2016]

DE/KON/TEXT — ein Live-Feed von Twitter — konfrontiert uns mit der Dynamik der aktuellen digitalen Debatte. Tweets werden ungefiltert in Echtzeit gestreamt, in einzelne Wörter zerlegt und nacheinander gezeigt. Dadurch werden verschiedene, oft konträre Positionen — und besonders ihr sprachlicher Ausdruck — gleichzeitig sichtbar. Zudem werden die Wörter aus ihrem syntaktischen und semantischen Kontext gerissen und neu ins Verhältnis gesetzt. Durch die Schnelligkeit der eingehen Tweets wandeln sich diese flüchtigen Wortkonstellationen und deren Bedeutung ständig und sind anhand der jeweils eigenen Sicht auf die Welt zu prüfen.

Jede Generation entwickelt ihr eigenes demokratisches Verständnis. Demokratie darf kein staubiges Thema sein, das Deutsche alle vier Jahre an ihre Existenz erinnert. Das eigene demokratische Verständnis sollte ständig hinterfragt und entwickelt werden: in Diskussionen wie auch im Streit. Die Poster sind eine persönliche Auseinandersetzung mit der Demokratie.

Der Bau ist eine audiovisuelle Installation, die in Zusammenarbeit mit Studierenden aus dem Studiengang Kommunikationsdesign und dem Masterstudiengang Sound-Vision im Wintersemester 2012/13 an der HAW Hamburg entstanden ist. Ausgehend von der gleichnamigen Erzählung von Franz Kafka verbindet die Installation Typografie, Animation und Sounddesign und lässt mithilfe von 360°-Projektionen und 3D-Audiotechnologie einen begehbaren, medialen Raum entstehen. Mitarbeit und Unterstützung: Stefan Troschka, Niklas Söder, Efrén Parra (Design), Iwer Petersen, Janina Schlichte, Axel Groot, Indra Schreiber, Hanjo Müller (Technik), Prof. Thomas Görne und Asmus Tietchens (Beratung).

Entschuldigen Sie bitte, aber wir haben einen Knoten im Hirn! Situationen, die fast jede:r Kreativschaffende:r in Gruppenarbeiten und Kollaborationen schon erlebt hat. Begleitet wird diese Erscheinung oft von zähen Diskussionen, Frustration, Verzweiflung und einem klaren Fluchtinstinkt — Wieso habe ich mir das nur angetan?

Genau für solche Momente und Pattsituationen gibt es das Projekt Der mentale Rückwärtsgang. Ein Methodenkatalog für den Weg raus aus der Schwarmdummheit. Eine Hilfestellung, um kreative Verknotungen und Uneinigkeiten spielerisch zu lösen. Den mentalen Rückwärtsgang kann man immer dann einlegen, wenn man sich beim kollektiven kreativen Arbeiten in einer Sackgasse wiederfindet. Ein Treiber dieser Sackgassen ist unter anderem eine festgefahrene hierarchische oder demokratische Struktur, die Gruppen innerhalb ihres kreativen Schaffens an ihre Grenzen treiben kann.

Warum halten wir also an ihnen fest, wenn eine Umverteilung der Rollen den Durchbruch bringen könnte? Warum nicht mal einen unkonventionelleren Weg hin zu einer Entscheidung wagen? Brecht aus euren gewohnten Strukturen aus und wagt etwas anderes — wir zeigen euch wie: Inspiriert von Organisations- und Ordnungssystemen aus Politik, Technik, Kultur und Natur bieten wir Interventionsanweisungen, die euch aus eurer aktuellen Gruppendynamik befreien und zu ganz neuem Output verhelfen. Du bist eher introvertiert und kommst bei Diskussionen nicht dazwischen? — Kein Problem! Mit etwas Losglück kannst Du als absolutistische:r Herrscher:in das Zepter in die Hand nehmen und endlich mal alles allein entscheiden. Ätsch!

Eigentlich sind all eure Entwürfe total fabelhaft und ihr wisst nicht, wie ihr jetzt allen gerecht werdet? Kein Problem! Künstliche Intelligenz regelt: Morpht eure Outputs zusammen und umgeht unschönes Rumgeeier und gekränkte Egos. Diese Publikation bietet euch neben diesen zwei Beispielen insgesamt 29 Methoden zum Ausprobieren, die exemplarisch an jeweils einem Beispiel-Plakat veranschaulicht sind. Für die bessere Nachvollziehbarkeit ist der Entstehungsprozess festgehalten.

Begleitet wird die Publikation von einer Website, die neben den Methoden und Informationen Mitschnitte unserer Prozesse in Echtzeit beinhaltet.

Designer als Produkt. Selbstexperiment und Untersuchung anhand von ‹Dailies/Everydays›, eine Selbstoptimierungs Methode im Social Media Umfeld.

In diesem Bachelorprojekt geht es um ein Selbstexperiment und Untersuchung der Methodik von ‹Dailies›, eine beliebte Methode der Selbstoptimierung auf Social Media. Im Prozess der Untersuchung wurde diese Methode über einen Zeitraum von 30 Tagen ausgeführt und dokumentiert. Bei ‹Dailies› geht es um das tägliche Entwerfen und Veröffentlichen von kreativer Arbeit. Heutzutage findet diese Veröffentlichung hauptsächlich auf sozialen Netzwerken statt, welche der womöglich einfachste, aber auch gleichzeitig effektivste Weg ist, im heutigen System gesehen zu werden. Ziel war es, die Methode von ‹Dailies› und das Konzept von Selbstoptimierung zu vergleichen und in einen politischen Kontext zu bringen.

Diese Publikation verhandelt die Frage nach der Systematisierbarkeit gestalterischer Prozesse. Dazu kann man im ersten Teil systemtheoretische Essays lesen, die den Systembegriff und seine ästhetischen Dimensionen einzufangen versuchen. Der zweite Teil versucht aus typografisch-gestalterischer Perspektive die Möglichkeiten und Gefahren der systematischen Gestaltung aufzuzeigen. Auch auf gestalterischer Ebene wirkt das System: Die einzelnen Kapitel werden jeweils durch gescriptete, also systematisierte Grafiken voneinander getrennt und das Spiel zwischen Ein- und Zweispaltigkeit — das nicht zuletzt in die Konstitution des Textes eingreift — wirft die Frage nach der Autorität des Systems auf.

Die christliche Bibel ist nicht nur das meistgedruckte, am häufigsten übersetzte und am weitesten verbreitete Buch der Welt, sondern auch das schwärzeste – im Sinne von dicht bedruckten Seiten. Diese Bibel jedoch ist ein weißes Buch: eine typografische Untersuchung des Frauenbildes in der Schrift. Mithilfe eines basil.js-Skripts wird der Text des Alten und Neuen Testaments nach Wörtern und Wortgruppen durchsucht, die Frauen benennen oder beschreiben, und in schwarzer Schrift gesetzt. Diese Begriffe sind zusätzlich unterstrichen. Alle übrigen Texte werden durch Weißfärbung getilgt, wodurch das Verhältnis beider Textgruppen unübersehbar wird. „Durch das automatische Verfahren wird eines sichtbar – gewissermaßen als Positivzensur – die magere Ausbeute des femininen Extrakts.“ (Stiftung Buchkunst, Begründung der Jury, 2020)

Fotos: Stiftung Buchkunst

Video: Choreo (Roman Häbler, Lars-Ole Bastar), www.choreo.info

Blumen begleiten uns durch alle Lebensphasen. Wir werden mit Blumen in der Welt willkommen geheißen, sie schmücken unsere wichtigsten Feierlichkeiten und oft unser Grab. Blumen werden aber auch als Symbol für unsichtbare Ereignisse und Dinge verwendet, um sich diese besser vorstellen zu können. «Erst die physische Präsenz vieler im Realraum schafft jene Bilder, die über ihre globale Zirkulation den Druck aufbauen, der überkommene Strukturen erodieren lässt.»[^AJermolaewa, Anna. The Penultimate. Installation, 2017. Exhibited at the Austrian Pavilion, 60th International Art Exhibition, Venice Biennale 2024. http://www.jermolaewa.com/penultimate.html]. Viele friedliche Revolutionen wurden nach Blumen (und Früchten) benannt, was für die Gewaltfreiheit im Kampf für Demokratie steht. ‹Blumenrevolutionen› (manchmal auch ‹Farbrevolutionen›) waren eine Serie von meist gewaltfreien Protesten und begleiteten zum Teil erfolgreiche Regierungs- und Gesellschaftswechsel, die in post-sowjetischen Staaten (Armenien, Georgien, Ukraine und Kirgisistan) sowie in der Bundesrepublik Jugoslawien zu Beginn des 21. Jahrhunderts stattfanden. Später breitete sich diese Blumensymbolik auch nach Asien und Afrika aus (Myanmar, Tunesien und Ägypten) und wurde zu einem globalen Symbol. «Angefangen mit dem von der Bevölkerung mit roten Nelken begrüßten Militärputsch gegen die Diktatur in Portugal 1974 repräsentieren positiv konnotierte Blumen und eine Identität stiftende Farbe seit dem Millennium meist friedlich verlaufende, vom Volk initiierte Regimewechsel. Der Nelkenrevolution folgte 2003 die Rosenrevolution in Georgien, 2004 die orangene Revolution in der Ukraine, 2005 die Zedernrevolution im Libanon und die Tulpenrevolution in Kirgisien sowie 2007 die (gescheiterte) ‹Kornblumenrevolution› in Weißrussland. Auch die ‹Safranrevolution› 2007 in Myanmar, die Jasminrevolution 2010 in Tunesien und die ‹Lotusrevolution› 2011 in Ägypten wurden von internationalen Medien als ‹Farbrevolutionen› charakterisiert.»[^ebd.] Die Serie will an die gewaltfreien Revolutionen erinnern und Blumen als Teil unseres Lebens feiern.

Freiheit ist wandelbar – politisches Ideal, gesellschaftliche Ordnung, persönliche Haltung. Sie kann verbinden oder spalten. Wer definiert sie, wer begrenzt sie? Ist sie bedingungslos oder an Konventionen gebunden? Freiheit verlangt Balance zwischen Selbstbestimmung und Verantwortung. Sie ist räumlich, zeitlich, ein Prozess, ein Experiment. Politische Systeme formen ihr Verständnis: Demokratien versprechen Mitbestimmung, autoritäre Systeme fordern Unterordnung. Liberalismus betont das Individuum, Neoliberalismus reduziert Freiheit auf Marktlogik.

Mit ihrer Arbeit möchte Lotta Wolfinger die Auseinandersetzung mit dem Freiheitsbegriff aufzeigen und zum selbst Definieren anregen. Um die Komplexität und Vielschichtigkeit des Begriffs zu verdeutlichen, stehen sich insgesamt 30 Zitate aus philosophischen Texten, Interviews, Schlagzeilen und aktuellen Kolumnen zufällig gegenüber.

Schon lange gilt die Ohnmacht nicht mehr nur als bloßes medizinisches Phänomen, welches in den vergangenen Jahrhunderten besonders den Frauen zugesprochen wurde. Sie beschreibt auch ein Gefühl der Hilflosigkeit und Angst, die zu mangelnder Einflussnahme und Tatenlosigkeit führt. Gerade in der heutigen Zeit mit ihren politischen und gesellschaftlichen Krisen fühlen sich immer mehr Menschen unfähig den Geschehnissen etwas entgegenzusetzen.

In der Literatur finden sich viele Beispiele dafür, wie Ohnmacht im letzten Jahrhundert gefühlt und beschrieben wurde, unter welchen Ereignissen sie auftrat und wer besonders unter ihr litt. Für das Projekt wurden Romanzitate von drei Autorinnen aus den letzten hundert Jahren ausgewählt. Sie zeigen, wie sowohl die Protagonistinnen als auch die Schriftstellerinnen selbst unter der von patriarchalen Strukturen ausgelösten Ohnmacht, leiden. Jedes der drei Poster stellt eine Facette des Ohnmachtsgefühl dar.

In Virginia Woolfs Zitat zieht die Protagonistin ein Leben in Gewalt dem Leben in Ohnmacht vor und verdeutlicht so, wie viel gewaltvoller die Ohnmacht selbst sein kann. In Roxane Gays Zitat zeigt sich, wie schwer es sein kann, die passenden Worte für ein Leben in Ohnmacht zu finden und Ingeborg Bachmann ringt in ihrem Zitat mit der Kraft, eben diese zu überwinden.

Das Projekt steht genau für diese Überwindung der Ohnmacht, um daraus neue Kraft zu schöpfen.

Um einen perspektivischen Zugang zur Gesellschaft und deren Normen, Rollen und Verhaltensweisen zu bekommen, bedienen wir uns dem Medium der literarischen Werke. Denn was bietet sich besser als Schlüssel zur Vergangenheit an, als das geschriebene Wort in der Lyrik?

 «Behandelt die Frauen mit Nachsicht!

Aus krummer Rippe ward sie erschaffen,

Gott konnte sie nicht ganz grade machen.

Willst du sie biegen, sie bricht.»

Johann Wolfgang von Goethe[^Goethe, Johann Wolfgang von. West-Eastern Divan. Stuttgart: Cotta, 1819.]

 Laut Goethe ist die Frau, oder auch ‹die krumme Rippe› genannt, nicht mehr geradezubiegen, da sie sonst ‹bricht›. Diese Aussage impliziert, dass dem Wesen Frau eine natürliche Falschheit inne liege und nicht mehr geradezurichten sei. In vielen Kulturen wird dem Weiblichen Zerbrechlichkeit und eine Unterlegenheit gegenüber dem männlichen Geschlecht zugeschrieben. Wir schärfen den Blick auf bekannte Lyriker, welche ihren Anblick auf die Schönheit einer Frau nur zu gerne kundtaten. Das binäre Geschlechterkonstrukt wird entlang historisch und kulturell modifizierter Regeln immer wieder hergestellt und ist keineswegs natürlich gegeben. Unser soziales Geschlecht ist ein gesellschaftliches Konstrukt und unterliegt von Menschen gemachten Vorstellungen, Erwartungen und Gesetzen. Doch wird in der heutigen Gesellschaft die geschlechtliche Vielfalt zunehmend anerkannt und das binäre Geschlechtersystem als veraltetes Modell angesehen. Trotz aller Reformen, bleibt die Gesellschaft mit der zweigeteilten, heteronormativen Ordnung konstitutiv verwoben, welche sich auf unser Denken von Identität, sowie die Funktionsweise unserer Identitätskonzeption auswirkt.

‹Schönheit› ist ein Mythos und übernimmt die Funktion sozialer Kontrolle. Die äußere Gestaltung ist seit jeher die Inszenierung einer erfolgreichen Partizipation an der Gesellschaft. Es ist Zeit, ‹Schönsein› neu zu definieren!

Die Arbeit setzt sich mit der Renaissance von weiblichen Stereotypen der 1950er Jahren in den heutigen sozialen Medien auseinander. Die identifizierten Idealbilder der Frau der 1950er Jahren werden mit der (Selbst)-Darstellung der Frau in der heutigen Zeit verglichen. In den 1950er Jahren geschieht eine Kommerzialisierung der Frau. Ein vergleichbarer Prozess findet heute in dem Medienwechsel zu den sozialen Netzwerken statt. Dieses Phänomen wird am Beispiel Instagram näher untersucht. Es werden Schönheitsideale und Rollenklischees hinterfragt und eine Fixierung in den sozialen Medien auf Themenfelder, wie Beauty, Mode und Ernährung festgestellt, wie auch Studien beweisen. Eine eindeutige Parallele dessen beschreibt der Dr.Oetker-Werbefilm aus den 1950er Jahren mit den angeblich entscheidenden Lebensfragen der Frau: „Was soll ich anziehen, was soll ich kochen?“.

Alles hat einen bestimmbaren Wert. Alles braucht einen bestimmbaren Wert, wenn es getauscht, gehandelt, beurteilt oder benutzt werden soll, wenn es marktwirtschaftlich, gesellschaftlich oder sozial relevant ist. Wir schaffen Dinge, wir schaffen Werte, wir geben Dingen Wert (oder beurteilen sie danach), um sie vergleichen, ordnen und katalogisieren zu können. Diesem Prozess wird hier eine Plattform gegeben. Damit auch alles seine Richtigkeit hat.

Zwei Ebenen sind nötig, um der Wertesuche Struktur zu geben: eine gerade so zurechtgerückte Auflistung der Berechnungsschritte, und der chaotische, ungefilterte Rechercheprozess im Hintergrund. So entsteht eine Wertesammlung unterschiedlichster Dimensionen, damit endlich alles kalkulierbar ist.

Täglich konsumieren wir digitale Inhalte. Seitdem wir unsere Smartphones überall mitnehmen können, scheint es keine Langeweile mehr zu geben, keine Zeit der Ruhe. Die Kurzvideos in sozialen Netzwerken lassen uns immer mehr den digitalen Abhang herunter rutschen und entziehen uns der Realität. Ununterbrochen lassen wir uns mit belanglosem Inhalt fremder Personen berieseln, die unsere screentime und ihren Profit maximieren wollen. Seit TikTok sind die Inhalte zunehmend schneller geworden, was unsere Aufmerksamkeitsspanne weiter verkürzt. Gleichzeitig stehen wir in Deutschland vor einer großen politischen Herausforderung. Durch den Rechtsruck in ganz Europa wird unsere Demokratie angegriffen.

Angesichts dieser Themenpunkte stellt sich Frage: Vernebeln wir uns durch soziale Netzwerke kollektiv die Realität?

Das Projekt Digital mess von Frida Höft zeigt genau dieses Spannungsfeld. Unaufhörlich laufen TikTok-Videos aus ihrem persönlichen Browsing-Verlauf und vermischen sich mit den darüber liegenden aktuellen politischen Artikeln deutscher Zeitungen. Die Videos können verzerrt und fragmentiert werden, um die Wirkung des Digital mess zu verstärken. Als Kontrast zu den schnellen Bildabfolgen wird bei den Zeitungsartikeln bewusst auf die Schriftform gesetzt. Für die Lesenden wird es fast unmöglich, reale Themen klar zu erfassen und nachhaltig zu verinnerlichen.

Vielleicht lassen wir uns doch lieber ins Digital mess ziehen?

Divine descendant entfaltet sich als eine filmische Neuinterpretation von Dantes Göttliche Komödie, indem sie den paradigmatischen Abstieg in die Hölle umdreht und in eine Reise in die digitale Unsterblichkeit verwandelt. Betrachter:innen werden aufsteigend durch mehrere symbolische Ebenen geführt, welche jeweils eine Phase im Prozess der digitalen Transzendenz veranschaulicht. Die Reise beginnt im Tiefenraum der Erde, der die gnadenlose Ausbeutung unserer natürlichen Ressourcen repräsentiert, und windet sich angetrieben durch menschliche Arbeit abwärtspiralförmig empor zu den lichtdurchfluteten Clouds der vermeintlichen digitalen Unsterblichkeit.

Aus aktuellem Anlass: Plakatkampagne für den Covid-19 Lockdown im Frühjahr 2020.

Ein halbes Jahrhundert lang dokumentierte Richard Buckminster Fuller alle 15 Minuten seinen Tagesablauf in einem Tagebuch, dem Dymaxion chronofile. Er sammelte Korrespondenzen, Rechnungen und Skizzen. Inspiriert von der Konsequenz und Sorgfalt Fullers begann ein Selbstversuch: Pia dokumentierte einen Monat lang detailliert ihr Leben: Sie sammelte Mails, Fotos, den Whatsapp-Verlauf und notierte ihre Gedanken — oft mit Hilfe der App Reporter, die zusätzlich Wetter und Standorte trackte. Aus den gesammelten Daten entwickelte sie eine Ordnerstruktur und ein Skript, das ihr Tagebuch komplett automatisch in InDesign generierte.

Die digitale Welt ist wo unsere Identität hinter Bildschirmen verborgen ist, wo wir regelmäßig Fake News und KI-generierte Inhalte sehen, wo Emotionen durch Großschreibung, Memes, provokative Emojis und rasante Kommentare intensiv zum Ausdruck kommen und wo die Grenze zwischen ‹engage› (Engagement) und ‹enrage› (Wut) leicht verwischt ist. Ich frage mich: wie manifestiert die Empörung sich in der digitalen Welt ?

Wenn ich das Scrollen einmal stoppe, finde ich mich in Zweifeln wieder: Are we just witnessing distorted truths? Do digital emotions foster unity or deepen polarization? Are our political opinions shaped more by algorithms than by critical thinking? Der Titel E-motions in politics bezieht sich auf das Zusammenspiel von elektronischer Kommunikation und Emotionen in der politischen Arena.

Basierend auf den sorgfältigen Studien der Humboldts sind die Texte und Bildobjekte im Katalog in Form von Tabellen strukturiert. Die Gestaltung basiert auf einem achtteiligen Rastersystem. Wissenschaftliche Genauigkeit und kreative Offenheit werden sorgfältig geprüft. Einzelne Elemente wagen es immer wieder, aus dem starren System auszubrechen.

Design ist nie objektiv oder neutral. Designer:innen arbeiten stets mit persönlichen Vorprägungen, sei es die eigene Herkunft, die gesellschaftlichen Verhältnisse oder ihre Ausbildung. Zudem entsteht Design in sozialen, technologischen, wirtschaftlichen und politischen Kontexten und unterliegt dadurch stetiger Veränderung und Ausdehnung. GestalterInnen arbeiten in Wechselwirkung mit diesen Entwicklungen. Unter ihnen fallen besonders diejenigen auf, die die Grenzen des Designs ausreizen, ihre Arbeitsmethoden (weiter)entwickeln, sich intensiv mit der Designpraxis und der eigenen Rolle auseinandersetzen — also Haltung entwickeln. Als Designerinnen fragten wir uns, wie genau sich Haltung im Designkontext äußert und definiert werden kann.

Bei dieser Plakatreihe wird das Spannungsfeld, sowie die Abhängigkeit der zwei Designphilosophien Konstruktivismus und Dekonstruktivismus erarbeitet. Stellvertretend für das Konstruktive Design steht das Conditional Design Manifesto des Studios Moniker, welches Explizit auf Regeln und Logik bei der Gestaltung setzt. Auf der anderen Seite steht Neville Brody mit der Aussage «Embrace the chaos — evolution doesnt come from pattern.»

Emotion Now ist ein experimenteller Versuch, den jeweiligen emotionalen Zustand des Betrachters zu erfassen und zu visualisieren. Komplexe Emotionszustände werden durch einen interaktiven Fragebogen in Daten übertragen und anhand von generativer Gestaltung individuell in vielschichtige Muster übersetzt.

Die Thesis setzt sich mit der Zensur von Nacktheit in Kunstwerken auseinander. Von der Steinzeit bis zu zeitgenössischen Abbildungen werden die Werke sowohl graphisch als auch kunsthistorisch betrachtet.
Im Layout tritt das Thema des Verdeckens unter anderem in der Klammerbindung auf der rechten Seite der Papierbögen auf, die es den Betrachtenden ermöglicht, die zuerst verdeckten Bilder durch das Aufklappen der Seiten ganz ansehen zu können. Somit wird die gängige Methode der Zensur nicht wie so oft reproduziert, sondern aufgebrochen. Die ausgesparten Flächen des Formtextes wiederholen die nackten Körperpartien in den Kunstwerken, wodurch eine Verbindung zwischen Text und Bild entsteht.

Das Buch versucht sich dem Thema wissenschaftlicher Arbeit und Forschung durch ein strenges Gestaltungssystem und einer farblichen Gliederung zu nähern und kombiniert dies mit der klassizistischen und eleganten Ästhetik historischer Folianten. Auch im Satzspiegel ist die Verknüpfung dieser beiden Systeme durch den dynamischen Wechsel des zugrundeliegenden Rasters sichtbar.

Er kam mir zu nah, starrte mich an und hörte nicht auf. Ich stand an der S-Bahn, als ein Mann auf mich zukam. Er kam mir sehr nah und sprach eine Sprache, die ich nicht verstand. Ich signalisierte ihm, dass ich keine Lust auf eine Konversation habe. Mehrmals ging ich einige Schritte von ihm weg, doch er folgte mir. Keine einzige Sekunde ließ er mich aus den Augen. Als die Bahn kam ging ich sehr schnell in das vorderste Abteil. Er setzte sich gegenüber von mir in den Vierersitz. Ich blieb sitzen, starrte aus dem Fenster und versuchte Blickkontakt zu meiden. Während der Fahrt redetet er mit mir, starrte mich an und versuchte mich zu berühren. Ich ignorierte ihn, doch er hörte nicht auf. Die Fahrt fühlte sich wie eine Ewigkeit an. Mein ganzer Körper war angespannt. Dieses Erlebnis ist kein Einzelfall, sondern Alltag für viele.

Mit dem Ziel, schönen Erinnerungen einen Raum zu geben, entstand diese Sammlung von einigen persönlichen Erinnerungen. Es war wichtig, nicht einfach ‹perfekte› Momente aufzuschreiben, sondern jeden einzelne Erinnerung selbst mit Worten und Typographie zu gestalten und dadurch auch in der ‹Unperfektheit› und Einfachheit die Schönheit zu entdecken.

Eine räumliche Installation aus Videoscreenings und großformatigen Drucken. Eine Vielzahl von Öffnungen und Schächten, die mit Kanaldeckeln verschlossen sind, sind sichtbare Hinweise auf das unterirdische (und daher unsichtbare) System der Kanalisation in der urbanen Landschaft. Der Kanaldeckel ist somit gleichzeitig eine Schnittstelle zwischen zwei Welten — zwischen oben und unten. Zwischen dem Alltäglichen und dessen grundlegenden Infrastruktur. Er markiert den Moment des Übergangs, die Möglichkeit eines Seitenwechsels und damit vielleicht auch eines Perspektivwechsels. Ermittlungen im Untergrund erkundet auf assoziative Weise die Parallelen und Schnittstellen der beiden Systeme — über und unter der Oberfläche. Darüber hinaus stellt es die Frage nach der Relevanz scheinbar beiläufig gestalteter Objekte. Durch die Unsichtbarkeit des Systems gibt es im Alltag nur wenige Berührungspunkte. Sichtbar wird es vor allem dann, wenn Probleme auftreten und eine Auseinandersetzung stattfindet. Welche Themen erhalten unsere Aufmerksamkeit, und warum wollen wir manche Dinge nicht (sehen)?

Die Ersatzteilewelt ist eine Welt der unglaublichen Möglichkeiten. Verlieren wir etwas? Geht etwas kaputt? Brauchen wir ein Upgrade? Hier finden wir für alles einen Ersatz! Für materielle wie auch menschliche Verluste. In unserer Welt des Überschusses und Reizüberflutung ist es überhaupt nicht schwierig, unsere Begehren zu befriedigen. Aber ist alles ersetzbar? Und ist alles was wir ersetzten, wirklich ersetzt? Wenn wir aufmerksam sind, merken wir die Unterschiede: Wir differenzieren sehr wohl zwischen bereits Erlebtem und dem Wert des Substituts. Trotzdem sind wir ständig auf der Suche nach Ersatz: Vielleicht ist er ja sogar besser als das, was wir vorher hatten? Der ‹Ersatz› schleicht als Konzept auf verschiedenste Arten durch unser Leben. Wir machen uns das viel zu selten bewusst.

In dem Projekt 1% Unordnung haben die Student:innen mit der computergenerierten Kunst von Manfred Mohr und Vera Molnár befasst. Während Mohr sich auf Algorithmen und Mathematik konzentriert, spielt in Molnárs Arbeiten auch die zufällige Unordnung eine wesentliche Rolle.

Ausgehend von einem sechsachsigen Diagramm haben die Student:innen mit einem Würfel Formen bestimmt, die dann in einem quadratisch angelegten Raster nach mathematischen Methoden, wie sie auch Manfred Mohr verwendete, eingefügt wurden: Drehung, Clipping, Mengenlehre, Graphentheorie.

Und wie Vera Molnár haben sich die Student:innen erlaubt, eine Unordnung von 1% zu verursachen. Im Experiment, die durch eine Form und eine Methode bedingten Möglichkeiten auszuschöpfen, ist eine Vielzahl an Mustern entstanden.

Was fühlst du? Das ist oft nicht leicht zu verbalisieren. Die Student:innen haben es sich zur Aufgabe gemacht, Gefühle zu visualisieren. Emotionale Zustände, Stimmungen oder Gefühle sichtbar und damit erfahrbar machen. Dabei liegt der Fokus auf den physiologischen Reaktionen des Körpers, um Emotionen zu messen und den Menschen als Datenbank zu nutzen, um die Sinnesebene greifbar zu machen. Die dynamische Darstellung ermöglicht das simultane Nachvollziehen der Zustandsentwicklung. Das Vorgehen ist eine parametrische Übersetzung biochemischer Prozesse des Körpers in Form von Körpertemperatur, Blutdruck, Herzratenvariabilität, Elektrodermale Aktivität (Schweißausbruch), von denen ausgewählte Parameter die Darstellung definieren. So können die komplexen Vorgänge innerhalb des Körpers wertfrei kommuniziert werden.

Richard Paul Lohse beschäftigte sich bereits in den 1940er Jahren mit reglementierten Methoden und übertrug sie in seine Kunst. Er schuf modulare und serielle Farbfelder, die erst durch ihre strenge Systematik ihre Dynamik entfalten und dem Betrachter den Eindruck von Bewegung vermittelten. Gemälde, die man heute als Programme bezeichnen würde. Lohse erdachte, was heute ist. Was würde geschehen, wenn wir die von ihm bereits vor Jahrzehnten festgelegten Regeln auf die Gestaltung mit neuen Technologien übertragen? Was passiert, wenn wir einen oder mehrere Parameter seiner Gemälde verändern oder sie auf freie Ausdrucksformen übertragen? Sind wir durch strenge Systematik effizienter, sogar kreativer oder fühlen wir uns eingeschränkt? Die Student:innen haben ausgewählte Werke Lohses analysiert und mit den innewohnenden Methoden und Regeln experimentiert. Es war ein Versuch, Richard Paul Lohses Denkmodell und Entwurfsmethoden in die heutige Zeit zu übertragen und daraus eigenständige Gestaltungen zu generieren.

Ausgehend von dem Workshop Paramat und der Recherche zum systemischen Grafikdesign in den 1960/70er Jahren haben die Student:innen ein System entwickelt, mit dem sie spielerisch — zunächst analog, dann digital – ein Schriftzeichensystem entwickeln haben. Herausgekommen ist eine Workshop-Anleitung, ein Formenkatalog und eine Schrift. Im Laufe unseres Projekts haben sie vieles ausprobiert, Uner­wart­etes entdeckt und wichtige Erkenntnisse gewonnen:
1. Ein System ist nur so gut, wie man versteht damit umzugehen.
2. Ein gutes Ergebnis entsteht aus dem richtigen Verhältnis von Regel und Regelbruch.
3. Nicht das Ergebnis vorwegnehmen, sondern schauen, was im Prozess passiert.

Inspiriert von Karl Gerstners mehrdimensionalen Rastersystem entsteht eine fiktive Maschine zur Erforschung von Formen und Mustern. Die sukzessive Überlagerung mehrerer Rasterebenen generiert schnell eine Eigendynamik, die einfache Formen in komplexe Gebilde und visuelles Rauschen verwandelt.
 
Der oder die Gestalter:in steuert den Generator durch veränderliche Farb- und Formparameter, Farbmischfunktionen sowie die Anzahl der übereinander gelegten Ebenen. Die unvorhersehbaren Erzeugnisse der fiktiven Maschine werden laufend bewertet und mithilfe der Parameter korrigiert, um die Kontrolle über das Endergebnis zu bewahren.

In dem Projekt Synthetische Identitäten geht es um die Übersetzung von persönlichen Informationen in grafische, abstrakte Formen und Farben. Dabei werden die Informationen auf verschiedene Raster übertragen. Rückwirkend ist es jedoch kaum möglich, diese Informationen wieder aus der Grafik zu entnehmen. Durch die Kombination der Informationen verschiedener Personen entstehen grafische, komplexe, synthetische Identitäten.

Das Projekt 5×5 ist ein visuelles Audiotagebuch. Aus der Überlagerung von gesprochenen Sequenzen entsteht ein abstraktes Klangwerk mit grafischen Elementen. Die Kombination von Bild und Ton schafft eine neue Atmosphäre — einen „Klang” eines Moments in unserem Alltag. Im Mittelpunkt steht die Dokumentation eines Tages durch Tonaufnahmen unter der Einhaltung von fünf festgelegten Regeln.

Der Tag wird in fünf Abschnitte aufgeteilt: Morgens, Vormittags, Mittags, Nachmittags, Abends. Aus jedem dieser Abschnitte ergibt sich eine aufgenommene Tonspur. Die Tonaufnahmen werden zur Weiterverarbeitung auf exakt fünf Sekunden gekürzt und anschließend in einem Audioprogramm mit jeweils fünf unterschiedlichen Effekten verfremdet.

Pro verfremdeter Tonspur werden fünf unterschiedliche Nahaufnahmen per Zoomfunktion und Screenshot erstellt. Das Ergebnis aus fünf Tonspuren je fünf Screenshots sind 25 Visualisierungen. Ziel des Projektes war es, die unterschiedlichen Tagesabläufe zu untersuchen und für die gesprochenen Texte eine spannende visuelle Darstellung zu finden. Als Endprodukt wurden die verfremdeten Tonspuren und visuellen Experimente in abstrakten Animationen zusammengefügt.

Hypo ist eine modulare Schrift, die aus einer Reihe von Rasterexperimenten entstanden ist. Die verschiedenen Schriftschnitte und stylistic Sets basieren auf einem System aus miteinander verbunden Punkten und sind so variabel miteinander kombinierbar. Durch Veränderung des Zeilenabstands, der Laufweite und der Position entstehen neue Zeichen und Muster und typografische Bilder. Der Inhalt selbst wird zur Form. Anwendbar als Displayschrift auf Plakaten sowie in Animationen und interaktiven Arbeiten.

Inspiriert durch die Künstler Sol LeWitt und Vera Molnár wurde in diesem Experiment das lateinische Schriftsystem durch ein anderes grafisches System, bestehend aus der Kombination von Linien in einem Quadrat, ersetzt. Durch das Quadrat wird ein Raport (ein sich wiederholendes Muster) ermöglicht: die Endpunkte der Linien können aufeinander treffen und so ein Schriftbild generieren. Bei dem von der Studentin gewählten System hat sie 36 Kombinationsmöglichkeiten der Linien entdeckt. Da jedoch nur 30 für das Schrift-System benötigt wurden, mussten sechs Möglichkeiten aus dem System weichen.

Wird nun ein Text in dieser Schrift gesetzt, entsteht ein Teppich aus Linien und Formen. Gerade weil es nicht leserlich und verständlich ist, wird allein das grafische Bild betrachtet. Wir entdecken neue Formen und Zeichen – es entstehen konstruierte Schriftbilder. Ob zentrierter, links- oder rechtsbündiger Satz, große oder kleine Schriftgrößen, wiederholte Wörter, ganze Sätze oder umfangreiche Texte, spielerisch können immer neue Muster und Konstrukte oder komplexe Gebilde erstellt werden.
Die durch den Text entstandenen Flächen und Formen laden zum Füllen mit Farbe ein. Sie offenbaren einen weiteren interessanten Blick auf das konstruierte Schriftbild. In der vorher flachen, zweidimensionalen Ansicht öffnen sich durch die Linien und Flächen perspektivische Gebilde und kreieren räumliche Eindrücke. In einem weiteren Bearbeitungsschritt können die architektonischen Gebilde zu dreidimensionalen Wolkenkratzern heranwachsen.

Bei einem Spaziergang im Grunewald hat die Studentin einen Pflasterstein in Form eines Achtecks mit quadratischer Aushöhlung gefunden. Sofort assoziierte sie den Buchstaben ‹O› mit diesem Objekt. Die Einfachheit der Form brachte sie auf die Idee, daraus lesbare Gehwegplatten zu machen. Es ist zwar noch kein Gehweg, aber immerhin schonmal die modulare Schrift dafür entstanden. Die quadratischen Buchstaben werden weniger den formal ästhetischen Anforderungen eines Fonts gerecht, aber sie sollen ja zum Muster werden und als Textur lesbar sein.

Quattro Formaggi ist ein Literaturband, angelehnt an das Werk Il Decamerone von Giovanni Boccaccio. In seinem Werk erzählt Boccaccio von zehn Frauen und Männern, die 1348 vor der Pest aus Florenz aufs Land flüchten und sich dort zum Zeitvertreib tagtäglich Geschichten erzählen. Die Corona-Pandemie hat uns in eine ähnliche Lage gebracht und gemeinsam haben wir uns über zwölf Tage lang tagtäglich jeweils eine Geschichte zu den Themen Liebe, Religion, Zukunft und Konserven überlegt. Das Besondere an den Texten ist die Methode des Schreibens, die sich von Tag zu Tag ändert. So bietet der Literaturband ein kleines Sammelsurium an zum Teil analog geschriebenen und zum Teil von computergestützten Tools generierten Texten.

Auf einem Spaziergang im Hamburger Stadtpark wurden Spaziergänger:innen und Passant:innen nach dem ersten Wort gefragt, das ihnen spontan einfällt. Die daraus entstandenen kurzen Gespräche wurden dokumentiert, nach verschiedenen Aspekten analysiert und anschließend visuell übersetzt. Aus Worten, Gesprächspausen, Zeit- und Standpunkten entstand eine typografische Kartierung, die sowohl in einer Publikation als auch auf einem herausnehmbaren Plakat festgehalten wurde.

Ausgangspunkt des Projekts war die Auseinandersetzung mit verschiedenen systematischen Ansätzen zur Textgenerierung. Unter anderem inspiriert durch die französische Künstlergruppe Oulipo basiert Synesthesia auf Alltagsfragmenten, aus denen durch festgelegte Regeln neue Texte entstehen, die schrittweise in Musik und Bild umgewandelt wurden. Angeregt von John Cage‘s Theorie, dass alles Musik sei und überall Schönheit zu erkennen wäre, versuchten die Student:innen diesen Gedanken auszuweiten: alles ist Musik, alles ist Text und alles ist Form. Die generierten Texte bilden dabei den Ausgangspunkt und die Basis für das gesamte Album. Hierbei spielte die formale Ästhetik der drei Komponenten erst einmal eine untergeordnete Rolle. Vielmehr geht es um ihre Synthese und die Erstellung eines schlüssigen Systems, das interessante und überraschende Ergebnisse hervorzubringen vermag. Bei der Entwicklung dienten folgenden Fragen als Orientierung: lässt sich Text auf logische Weise in Sound übersetzen und wenn ja, wie? Wie kann Sound aussehen? Ist es möglich, ein Gestaltungssystem intermedial anzuwenden? Spiegeln sich die Eigenschaften der Ausgangstexte im Endprodukt wider und sind Unterschiede oder Gemeinsamkeiten in den einzelnen akustisch-visuellen Stücken erkennbar?

11. November 2020, Mittwoch. Ein mittlerweile ganz normaler Tag. Um Punkt 9:30 Uhr sind alle 24 Studierenden im Call. Ungeduschte, verschlafene Pünktchen mit Initialen. Frische, frühstücksverpflegte Oberkörper teilen sich den Screen. Ich vergesse, meine Stummschaltung aufzuheben und spreche und gestikuliere eine knappe Minute vor meinem Computer. Es kommt keine Resonanz, ich fühle mich alleine in meinem Schlaf-, Wohn- und Arbeitszimmer. Ich schalte das Mikrofon an und den Ton an und werde mit einem warmen Geschmunzel wieder in die Gruppe integriert und wiederhole das eben Gesagte. Meine Kurskolleg:innen verstehen mich. Wie versteht mich der Computer? Die Studierenden laden die anderthalbstündige Aufzeichnung hoch und lassen sie transkribieren. Wie oft endet ein Satz mit «also», wie oft wird «nicht» gesagt und was passiert, wenn ich mit dem Zeilenende die nächste Zeile anfange? Sie haben Texte schreiben lassen und – mit Screenshots aus der Session illustriert — in einem kleinen Gedichtband zusammengefasst.
 
Die Gedichte basieren auf der automatischen Transkription des Onlinemeetings am 11. November 2020. Untersucht wurden 21:39:49 Stunden Videomaterial, resultierend in 113 Din A4 Seiten Text beziehungsweise 113.546 Wörtern. Die technische Umsetzung fand im Falle des schlussendlich untersuchten Onlinemeetings mit dem Service YouTube statt. Durcheinanderreden, Probleme mit der Verbindung und zu leises Reden führten zu Fehler- und lückenhaften Transkription. Die Abweichungen beließen die Student:innen dabei. Absatz wurden nach untertiteltypischer Satzlänge oder Sprechpause von dem Programm selbst generiert. Die Gedichte wurden zumeist durch Filtern nach gewissen Begriffen erstellt. Das Bildmaterial basiert auf Screenshots aus verschiedenen Videokonferenzen. Angehängt ist das gesamte Transkript der näher untersuchten Videokonferenz. Durch das Programm sind unberücksichtigt Zwischengeräusche, verschiedene Fehltranskriptionen und besondere Vorkommnisse hier über die gesamte Länge angemerkt.

Abgeleitet vom Kursnamen EXPO und inspiriert von der Voyager Golden Record, entwarfen die Student:inenn die runde Weltausstellung, um außerirdischem Leben unsere runde Utopie vorzustellen. Mit dem Manifest Anti Kanti, in dem sie die runde Form rühmen, stellen sie Konzept ‹Weltausstellung gleich Leistungsschau› auf den Kopf. Endlich bekommt der Kreis als vollkommene, aber völlig unwirtschaftliche Form, die in unserer normierten und rechtwinkligen Welt nicht ausreichend Platz hat, den ihr gebührenden Raum.

An Bord der Raumsonde Voyager 1 wurde in den 1970er Jahren eine goldene Schallplatte mit Bild- und Tonmaterial von der Erde ins All geschickt. Die Hoffnung auf eine Antwort erfüllte sich, denn tatsächlich entdeckte eine fremde Existenz diese Nachricht. Aufgrund der außergewöhnlichten Inhalte, die auf dem Datenträger gespeichert waren, begaben sich die Aliens neugierig auf die Suche nach unserem Heimatplaneten. Als sie ihn schließlich ausfindig machten, nahmen sie unsere Spezies genauestens unter ihre Lupe.

Entstanden ist ein dokumentarischer Kurzfilm mit unterschiedlichen Sequenzen und Kuriositäten aus dem Alltag des Menschen. Der Text wird von einer KI gesprochen, die den Betrachtenden zwischen gefühlter Vertrautheit und Fremdartigkeit balancieren lässt. Der Perspektivwechsel zeigt, dass das Bildmaterial nicht nur für Aliens aufklärend ist, sondern uns selbst zum Staunen bringen kann. Schließlich ist der Mensch (oder vielmehr der Wasserling?) schon ein sehr eigenartiges Wesen…

Bei der Dauernutzung des Computers während der Covid-Pandemie entstand die Idee zu dieser Studie über unsere täglichen Mausbewegungen. Messungen ergaben bis zu 9000 Mausbewegungen in 24 Stunden. Die Übertragung von analogen in digitale Bewegungen und schlussendlich in grafische Bilder standen im Fokus der Experimente. Die unsichtbare Spuren unserer unbewussten Bewegungen wurden sichtbar.

Für Wesen, die noch nie auf unserer Erde waren, wirken unsere Gewohnheiten und die Alltagsgegenstände wahrscheinlich völlig verwunderlich. Inspiriert von den Golden Records und vom Whole Earth Catalog gibt Modula spielerisch einen kleinen Einblick in unsere Welt und stellt Gegenstände unseres Alltags in einen neuen Kontext. Die Spieler:innen werden eingeladen, vertraute (oder auch unvertraute) Dinge neu kennenzulernen und ihre Eigenschaften und ihre Bedeutung zu hinterfragen. Noch ist Modula ein Prototyp, aber natürlich so flexibel und erweiterbar, dass in den nächsten Versionen verschiedenste Lebensrealitäten und Kulturen aufeinandertreffen können.

Uns umgeben täglich Milliarden Keime. Damit wir funktionieren, haben wir ein ausgetüfteltes biologisches Abwehrsystem entwickelt, das Immunsystem. Zusätzlich umgeben uns jedoch auch etliche digitale Keime, die zu Krankheiten führen können. Wir erfahren gerade eine extreme Radikalisierung der digitalen Keime: Fake News, Rassismus, Sexismus, Cancel Culture, Ghosting und mehr. Leider ist unser digitales Immunsystem noch nicht ausreichend angepasst. Evolution braucht Zeit, wesentlich mehr Zeit. Also: Wie intervenieren? Sensibilisieren durch Aufklärungskampagnen? All dies reicht schon lange nicht mehr aus. Eine medizinische Intervention gegen das Böse im Internet und dessen digitalsomatische Krankheitsfolgen ist zwingend notwendig. Deshalb präsentieren die Studierenden ProbusA21.1.0: Das erste Probiotikum der Heilungsserie gegen digitale Krankheiten und für ein starkes digitales Immunsystem.

A message to outer space. Im Jahre 2012 verließ die 1977 gestartete Raumsonde Voyager 1 unser Sonnensystem und betrat den interstellaren Raum. An Bord eine goldene Schallplatte mit Bild- und Tonaufnahmen, die als Definition der Menschheit dienen sollten. Aus heutiger Sicht wirkt die Zusammenstellung des Materials seltsam selektiv und befremdlich. Doch die Frage ‹Wer sind wir eigentlich?› beschäftigt die Menschen nach wie vor. ‹The Message› sucht nach Antworten im Fragment. In der animierten Collage von unzähligen visuellen und akustischen Versatzstücken entsteht ein psychedelischer ‹Stream of Consciousness›, der ohne festgeschriebenes Narrativ zwischen Wahrheit, Ironie und Kritik mäandert. Die fortlaufende Transformation der menschlichen Büsten verweist dabei auch ironisch auf die aktuelle Selbst- und Fremdwahrnehmung in den Zoom-Calls der Pandemie.

Persönliche Daten werden immer wertvoller, aber man geht auch immer leichtfertiger mit ihnen um. Der Student wollte untersuchen, welche Daten überhaupt gesammelt werden, wie relevant oder ‹gefährlich› sie sind. Dazu hat er alles, was Facebook über ihn weiß und speichert, als JSON-Dateien ausgelesen und visualisiert. Auch die Dinge, die er schon gelöscht oder vergessen hatte. Es wurde mit Sublime-Text gearbeitet und hauptsächlich die Loop- und Random-Funktionen benutzt. Am liebsten hätte der Student sein Tool öffentlich zugänglich gemacht, aber leider gelang die technische Umsetzung nicht. Auch die anfängliche Idee, alle Daten auszuwerten und daraus ein ganzes Buch oder einen Katalog zu gestalten, wurde letztendlich verworfen, da der Umfang einfach zu gewaltig und die Umsetzung nicht realisierbar war.

Scroll durch den Feed mit 180 km/h

Alles wird geliked, alles wird gehyped

#Cenote und #Trolltunga im Überfluss

Du willst verreisen?

Dann schau nach der Instagramability!

Die Einsamkeit der Orte sieht man nur noch durch die Linse

Schließe deine Augen und schon bist du allein

Eine Pause von den Massen

Auf der Jagd nach dem besten Schnappschuss

3 Stunden Anstehen für 30.000 Klicks

Was kostet die Welt? Es kostet die Welt!

10 Müllberge hoch & 15 Staus lang Im Wasser schwimmt Plastik und Bäume gibts nicht mehr

Souvenirläden wie Sand am Meer, aber wo ist der nächste Supermarkt?

Hotels im Überfluss, aber kein bezahlbarer Wohnraum

Kreuzfahrtschiffe sind so praktisch, da sieht man alles von der Welt!

Ich mach’ mal lieber meine Augen zu.

Bei einer Umfrage im Jahr 2018 gaben zwei drittel der befragten Reisenden im Alter von 18-34 Jahren an, dass die sogenannte ‹Instagramability› der Destination ein ausschlaggebender Faktor in ihrer Reiseentscheidung sei. Darüber hinaus gaben 40% der befragten Männer und 20% der Frauen zu, dass sie sogar so weit gehen würden gefälschte Urlaubsfotos auf Social Media zu teilen. Die negativen Auswirkungen des Hypes (z.B. Umweltverschmutzung, Abhängigkeit vom Tourismus) sind nicht auf Instagram sichtbar.

Desinformation und Falschaussagen sind ein großer Teil des öffentlichen Diskurses geworden und werden von vielen Menschen auf Anhieb geglaubt. Die AfD hat im Vergleich zu anderen Parteien den größten Anteil an Wähler:innen, die ihre Informationen hauptsächlich aus Sozialen Medien beziehen. Eine einseitige Informationsbeschaffung führt allerdings zu einer höheren Anfälligkeit für Falschinformationen und extremen Positionen. Viele Forderungen der AfD dienen nicht dazu, Probleme nachhaltig zu lösen, sondern zielen darauf ab, möglichst viele Wähler:innen auf emotionaler Ebene anzusprechen und die Schuld einer gesellschaftlichen Minderheit zuzuweisen. Gerade aufgrund der aktuellen Fülle an Informationen und politischen Meinungen, ist es wichtig, sich regelmäßig durch verschiedene Quellen zu informieren und eine eigene faktenbasierte Meinung zu bilden.

Die Zeitung Femme Savage ist das Ergebnis einer Auseinandersetzung mit verschiedener Literatur zu den Themen Feminismus und Arbeit. Die Zeitung ist eine Sammlung von Textbausteinen aus den gelesenen Büchern, Aufsätzen und Interviews, die typografisch interpretiert und zusammengesetzt wurden.

Cinema figura untersucht Spielfilme auf typische Attribute wie Farbigkeit oder Lautstärke, sammelt diese Daten und überträgt sie simultan in eine Farbcollage. Die Betrachter:innen verfolgen über die gesamte Spieldauer, wie sich der Film in ein abstraktes Plakat verwandelt, dessen Farbwelt der des Originalplakats verblüffend ähnlich wird. Die sich auflösenden Untertitel lassen Dialoge erahnen, aber nie ganz erfassen. Und schließlich sind sogar einzelne Filmszenen in der abstrakten Farbkomposition erkennbar.

Regeln und Formeln für eine gute Gestaltung zu formulieren, beschäftigt Designer:innen immer wieder. Diese Plakatserie stellt konträre Positionen ironisch gegenüber. Das Wesen der Dinge, das Walter Gropius als zentrales Mittel zum Bestimmen der äußeren Form benennt sowie die Funktion, die nach Louis Sullivan die Gestaltung dominieren soll, lassen sich nicht auf widerspruchsfreie Weise definieren. Wie lässt sich dann eine allgemeine Formel ableiten? Kesselskramer konstatiert «Formulas work for scientists and mathematicians (…) We are too messy for white coats»,[*] «Make it meaningful. Meaningful communication. Because nobody wants to have meaningless communication.»[*]

Formfrage ist eine digitale Textsammlung mit Texten von und über Max Bill. Anhand eines fiktiven Interviews werden die vielseitigen Wirkungsgebiete von Max Bill als Gestalter, Designer, Typograf, Künstler und Architekt informierend vorgestellt. Alle Quelltexte, die für das Interview verwendet wurden, sind im digitalen Archiv der Webseite als PDF hinterlegt. Zur Vertiefung der einzelnen Themenfelder oder zur weiteren Recherche können diese Texte linear gelesen werden —­ je nach Vorliebe am eigenen Bildschirm oder ausgedruckt auf Papier. Bei diesem Projekt wurde insbesondere auf die verschiedenen Arten des Lesens nach Hans Peter Willberg[^Willberg, Hans Peter. Lesetypografie. 4th expanded ed. Mainz: Verlag Hermann Schmidt, 2005.] eingegangen. Die Webseite wurde sowohl für das lineare als auch für das informierende Lesen konzipiert.

Ein Blick nach oben erweitert den Horizont und eröffnet inspirierende Sichtweisen: Wenn horizontale Freiräume ins Vertikale erweitert werden, können neue städtische Freiräume entstehen. In Zusammenarbeit mit der Landschaftsarchitektin Isabel Zintl und Studierenden der TU München wurde für das Forschungsprojekt Vertikaler Freiraum ein visuelles Erscheinungsbild entwickelt, das über das ursprüngliche Kernprojekt ‹Publikation› hinaus alle Aktivitäten rund um das Thema begleitet und kommuniziert. Im Mai 2018 wurde der Vertikale Freiraum als Teil einer Gruppenausstellung an der Akademie der Künste Berlin präsentiert. Ein wesentlicher Bestandteil des grafischen Konzepts ist die nichtproportionale Display-Schrift Vertikal. Ihre Gestaltung basiert auf dem Schreiben mit einer senkrechten Breitfeder, das einen starken Strichwechsel zwischen den vertikalen und horizontalen Linien erzeugt. Die Schrift besteht aus vier geometrisch konstruierten Grundformen und ist auf einem Gestaltungsraster aufgebaut. Durch dieses modulare System ergeben sich neben dem versalen Standard-Schriftsatz zahlreiche alternative Buchstabenformen. Der Form-Schriftsatz beinhaltet die vier Grundformen in verschiedenen Ausrichtungen und Positionen. Somit lassen sich über die Tastatur in jedem beliebigen Textverarbeitungsprogramm Grafiken, Texturen und wiederum neue Schriftzeichen ‹schreiben›.

Sleep ist ein achtstündiges Werk des britischen Komponisten Max Richter. Mit seinem Wiegenlied entschleunigt Richter unsere überdrehte, hektische Welt. Die leisen und sanften Töne wiegen die Zuhörer:innen in einen extra dafür hergerichteten Konzertsaal in den Schlaf. Das erste Plakat ist eine visuelle Übersetzung des siebenteiligen Auszugs From sleep. Das zweite Plakat macht die weichen Tonschritte sichtbar: Seine grafischen Elemente reagieren auf die Musik der einstündigen Werk-Passage.

Die Plakatserie Für Anna setzt sich mit dem dadaistischen Gedicht An Anna Blume von Kurt Schwitters auseinander. Es handelt sich um ein Liebesgedicht, das anhand vieler Paradoxe die Person der Anna Blume beschreibt. Kurt Schwitters selbst ernannte Kunstgattung Merz bestimmt nicht nur sein Schaffen, sondern auch seine Lebenshaltung und Person. Schwitters will mit Merz dazu aufrufen, Neues zu schaffen und nicht abermals den alten Konventionen zu gehorchen. Durch seine außergewöhnliche Gegenüberstellungen verschafft er Banalitäten eine neue Wertung, wie in dem Gedicht An Anna Blume deutlich zu erkennen ist. Schwitters sagt selber, Kunst sei nichts anderes als Gestaltung mit beliebigem Material. Das Material der Dichtung beschreibt Schwitters folgendermaßen: «Elemente der Dichtkunst sind Buchstaben, Silben, Worte, Sätze. Durch das Werten der Elemente gegeneinander entsteht die Poesie.»[*] Jedes Plakat der Serie visualisiert einen Vers des Gedichts und soll die Eigenart des Gedichts deutlich machen.

Das Thema ist die Mehrdeutigkeit der Dinge und deren Akzeptanz. Also die Ambiguitätstoleranz. Es geht um die Fähigkeit, eine widersprüchliche oder nicht eindeutig einzuordnende Situation zu tolerieren und zunächst zu akzeptieren. Dem gegenüber steht die Eindeutigkeit: Klare Sachverhalte und Situationen, die wir benennen und in Schubladen stecken können, was für uns sehr bequem ist. Deshalb neigen wir oft dazu, Situationen, in denen es Mehrdeutigkeiten gibt, nicht auszuhalten. Wenn es um strukturelle Diskriminierung geht, stoßen wir sehr oft auf Unklarheiten. Nehmen wir das Thema Mansplaining, denn hier zeichnet sich aus feministischer Sicht ein wiederkehrendes Phänomen unserer Streitkultur deutlich ab. Die Grenzen des Mansplaining sind fließend und schwer zu definieren. Es geht darum, die Situation sensibel zu betrachten und Signale wahrzunehmen. Wenn eine Erklärung auf Augenhöhe stattfindet und erwünscht ist, ist es kein Mansplaining. Aber Augenhöhe ist keine definierte Größe und dieselbe Erklärung kann unter anderen Umständen als diskriminierend wahrgenommen werden. Es gibt kein klares Richtig und Falsch, da eine Beurteilung gemessen an den Umständen variiert. Es geht darum, diese Ambiguität wahrzunehmen und auszuhalten. Es scheint sehr wichtig zu sein, Mehrdeutigkeit als Teil der Komplexität unserer sozialen Interaktionen zu erkennen und akzeptieren zu können. Ambiguität relativiert nicht, sie erfordert nur einen komplexeren Umgang.

Furore ist ein Online-Magazin, das eine Vielfalt von Klimaprotesten sichtbar macht. Das Magazin bildet eine Bühne für Erfahrungen, Perspektiven und Aktionen von Aktivist:innen sowie Themen, die im Rahmen von Klimagerechtigkeit bedeutend sind. Es ist im Austausch mit den Aktivist:innen und in Zusammenarbeit mit freien Autor:innen und Fotograf:innen entstanden. Furore setzt motivierende Impulse — für eine politische Teilhabe, für Widerstandshandlungen und für kritische Reflexionen des gesellschaftlichen Status quo.

Gated Communities sind bewachte, meist privat geführte Wohnanlagen, welche durch ihre bauliche Eigenschaften Sicherheit und Schutz versprechen. «Von einer Minderheit gebildete, in einem Land neben der Gesellschaft der Mehrheit existierende Gesellschaft» — Parallelgesellschaften. Sicherheit und Komfort sind die Erwartungen, allerdings werden aufgrund der Existenz dieser Wohnanlagen soziale Unterschiede oft deutlich sichtbarer als ohne. Soziale und politische Abgrenzung findet nicht nur sichtbar durch Zäunen und Mauern statt, sondern sind ein Ausdruck gesellschaftlicher Entwicklungen, welche nun eben in Beton und stahl manifestiert wurden. Wie zukunftssicher sind diese Wohnmodelle in einer Gesellschaft, in der die Schere zwischen Arm und Reich immer weiter auseinander klafft? Ist die Entstehung von Parallelgesellschaften Teil der Lösung oder Teil des Problems? Wenn der öffentliche Raum privatisiert wird und der Zugang nur gewährt wird, wenn das Portemonnaie den entsprechende Inhalt aufweist, wird Wohlstand zur Insel.

Es wurde der Versuch gewagt, die individuellen Gefühlen, die in ihrer Subjektivität kaum greifbar sind, über ein visuelles Bild darzustellen und diese somit für sich selbst und andere erfahrbarer zu machen. Dies geschieht über ein Programm, welches die persönlichen Emotionen durch vordefinierte Primär- und Sekundärgefühle abfragt und anhand dieser und der jeweiligen Intensität ein Gefühlsbild erstellt. Dabei entspringt jedes ausgewählte Gefühl mit einer eigenen festgelegten Form und Farbe aus dem Zentrum und sprießt so weit nach außen, wie durch die angegebene Intensität definiert wurde.

Jeden Tag bewegen wir uns in einer generierten Realität. Sie wird von Algorithmen geschaffen und sortiert, indem sie versuchen, uns zu interpretieren und manipulieren. Mit jedem Klick erfahren die Programme angeblich mehr über unsere Interessen, unsere Vorlieben und Gefühle. Wie wir uns online verhalten, definiert, wer wir sind. Das Projekt beschäftigt sich mit der Diskrepanz zwischen dem realen und dem generierten Leben. Ist man die Person, für die der Algorithmen einen hält? Der Student hat das Gefühl, den Kontakt zu sich selbst zu verlieren, denn er bewegt sich in einer Welt, in der für ihn entschieden wird, was er sehen will und was er mag. Er gibt die Kontrolle aus der Hand. Anstatt das Internet und seine Algorithmen generell zu verteufeln, soll das Bewusstsein dafür geschärft werden, dass sie einen Einfluss darauf haben, wie wir wahrnehmen und denken. Es soll motivieren, einen gesunden Abstand zur digitalen Welt zu wahren, um zu persönlichen Gefühlen und Entscheidungen zurückzufinden.

Die Plakatserie wurde für die Ausstellung Stil, System, Methoden gestaltet, bei der die Ergebnisse des gleichnamigen Seminars präsentiert wurden, das sich mit generativen visuellen Systemen auseinandersetzte. Das Plakat besteht aus drei Ebenen deren Elemente sich unter Beeinflussung bestimmter Wahrscheinlichkeiten, innerhalb eines Rasters auf der Seite verteilen. Die Buchstaben S, S, M sind die Initialen des Kurs- und Ausstellungstitels und werden durch ein basil.js-Script gezeichnet. Sie erstrecken sich horizontal oder vertikal über unterschiedlich große Bereiche, wobei zwei der Buchstaben immer gleich große Rasterbereiche ausfüllen. Elemente jedes Buchstabens variieren in Gewicht und Füllung (gefüllt/konturiert). Textliche Informationen zur Ausstellung, wie Titel, Adresse, Datum, Teilnehmer usw., werden auf der Seite unter Einfluss der im Hintergrund liegenden Formen verteilt. Bieten die Formen nicht genug Fläche oder reicht der Raum nicht, sind die Texte bewusst unvollständig. Auf alle zufälligen Faktoren wurde Einfluss genommen, um eine möglichst interessante Mischung aus Unerwartetem, Spannendem und (in der Serie) noch Funktionierendem zu erhalten.

Das Manifest der Kommunistischen Partei wurde 1848 von Karl Marx und Friedrich Engels veröffentlicht. Es fordert die Abschaffung des Kapitalismus — den Sturz der Bourgeoisie — und die Befreiung des Proletariats von Ausbeutung und Unterdrückung. Es benennt auch wirkmächtige Werkzeuge: den anhaltenden Klassenkampf und die internationale Solidarität der Arbeiterklasse. «Ein Gespenst geht um in Europa — das Gespenst des Kommunismus». Marx und Engels wollen dieses Gespenst für die Arbeiter greifbar machen, indem sie den Kapitalismus als Wirtschafts- und Gesellschaftsordnung erklären. Ihr Ziel ist es, die Grundlagen für ein Klassenbewusstsein zu schaffen, mit dem sich alle Arbeiter der Welt zusammenschließen und der international agierenden Bourgeoisie entgegentreten können. Anfang des 18. Jahrhunderts wurde Amerika entdeckt und die halbe Welt kolonisiert. Die bisherigen Produktionsverfahren reichten nicht mehr aus, um den steigenden Warenbedarf auf den sich entwickelnden Weltmärkten zu decken. Die Erfindung der Dampfmaschine, die die Produktivität in fast allen Bereichen der Produktion maximierte, löste eine industrielle Revolution aus. Die hohen Anschaffungskosten für die neuen Maschinen konnten jedoch nur von Großkapitalisten aufgebracht werden, die neben dem Besitz der Maschinen (Produktionsmittel) auch das Eigentum an den Produkten beanspruchten. Für die neuen Fabriken kauften die Großkapitalisten Ackerland auf, machten Bauern besitz- und obdachlos und drängten sie an die Fließbänder in den Städten. Als Arbeiter wurden sie selbst zum Produkt — sie verloren ihren gesamten Besitz und tauschten ihre Arbeitskraft gegen einen geringen Lohn ein. Bisher hat sich nicht viel geändert. Wir verkaufen unsere Arbeitskraft und das Kapital vermehrt sich von selbst. Es ist wichtig, dafür ein Bewusstsein zu schaffen. Denn das Kapital hat heute mehr Macht als je zuvor und wir als Gestalter:innen agieren in diesem System.

Gestrige Weisheiten ist eine Installation, die die Verbreitung und den Einfluss von Geschlechterstereotypen und Frauenfeindlichkeit in unserer Gesellschaft hervorheben soll. Die Installation besteht aus einer Webcam, die das Bild des Betrachters aufnimmt und in ASCII-Kunst umwandelt, die dann auf eine Wand projiziert wird. Über dem ASCII-Code wird eine Sammlung von Kreuzstich-Mustern mit frauenfeindlichen Botschaften angezeigt.

Durch die Verwendung von Kreuzstichmustern verweist Gestrige Weisheiten auf eine ältere, traditionelle Kunstform, die seit Jahrhunderten verwendet wird, um Botschaften zu übermitteln. Durch die Darstellung dieser Muster neben moderner Technologie betont die Installation jedoch die Zeitlosigkeit und anhaltende Relevanz dieser Botschaften. Die ASCII-Kunst fügt dem Projekt eine zusätzliche Ebene hinzu und stellt eine moderne Ausdrucksform dar, die sich von den traditionellen Kreuzstich-Mustern abhebt.

Das Projekt soll das Bewusstsein für die schädlichen Auswirkungen von Geschlechterstereotypen und Frauenfeindlichkeit auf unser Leben schärfen.

Design zeigt, wie Dinge aussehen und was wichtig ist. Nicht alle Menschen können mit gestalten. Menschen mit Behinderungen werden oft ausgeschlossen. In dieser Arbeit gestalten Schüler:innen mit Lernschwierigkeiten Plakate. Der Prozess ist auf einer Webseite und als Heft zu sehen.

Design prägt unsere Gesellschaft, indem es beeinflusst, welche Werte, Informationen und Normen vermittelt werden. Doch wer gestaltet, hat auch die Kontrolle darüber, wie Dinge wahrgenommen werden. Der Zugang zur Designarbeit ist ungleich verteilt, da marginalisierte Gruppen, darunter Menschen mit Behinderungen weniger Einfluss haben. Die Disability Studies formulieren ihren Anspruch zur Teilhabe mit dem Motto ‹Nichts über uns — ohne uns›. Menschen mit Behinderungen sollten nicht nur Thema, sondern aktiv Beteiligte in gesellschaftlichen Prozessen sein — auch im Grafikdesign.

In dieser Bachelorarbeit wird ein partizipativer Gestaltungsprozess mit Schüler:innen mit Lernschwierigkeiten durchlaufen und dokumentiert, um ihnen den Zugang zur Gestaltung zu öffnen. Gemeinsam gestalten wir Plakate für eine Clubveranstaltung — ein realer Designauftrag, bei dem alle gestalterischen Entscheidungen in den Händen der Schülerinnen liegen. In einem unterstützenden Umfeld beschäftigen wir uns zunächst mit gestalterischen Grundlagenübungen, bevor wir analoge Plakatentwürfe entwickelten. Diese Arbeiten entwickeln wir anschließend digital weiter, bis schließlich die finalen Plakate entstanden.

Der gesamte Prozess der gemeinsamen Gestaltung ist auf einer Website dokumentiert und kann über ein Webtool gestaltet, ausgedruckt und als Heft gebunden werden.

Glitch ist ein Fehler im System, eine Form der Verweigerung, eine Strategie der Nichterfüllung. «Wir müssen den Glitch mit offenen Armen empfangen, um Binaritäten und Begrenzungen zu überwinden, die Gender, ethnische Zugehörigkeit und Sexualität definieren.»[^Russell, Legacy. Glitch Feminism: A Manifesto. London and New York: Verso, 2020.] schreibt Legacy L. Russell in dem Manifest Glitch Feminism. In diesem Sinne zielt der Glitch darauf ab, zu feiern, was Unbehagen verursacht. Es gilt, den Glitch — ursprünglich eine Bezeichnung für einen digital-technischen Fehler — weiterzudenken und in die reale AFK-Welt (away from keyboard) zu übertragen. Die digitale Welt wird dabei zum Medium einer spekulativen Kreativität. Es entstehen neue Ideen und Ressourcen für die permanente (R)evolution der Körper, die sich schneller verändern als die Gesellschaften, die sie produzieren und denen wir ‹offline› ausgeliefert sind. Wir müssen dazu ermutigen, falsch zu sein in einem System, das nicht für uns alle gedacht ist. Wir müssen zum Experimentieren anregen, mit der Möglichkeit, sich im Scheitern entfalten zu können. Um das Patriarchat zu stören, müssen wir den Glitch empfangen als etwas, das in unserer westeuropäisch geprägten Sozialisierung als Fehler erlernt wird, aber im intersektionalen Feminismus ein grundlegender Ansatz für eine Veränderung sein kann. tear it all open! usurp the body! be the glitch!

Mit der Grafischen Filmtranskription wurde ein Darstellungs­system entwickelt, das einen Spielfilm anhand seiner Parameter visualisiert. Das Resultat ist eine Infografik, die eine neue Perspektive auf den jeweiligen Spielfilm eröffnet. Parameter wie Handlung, Dialoge, Szenenwechsel oder Kameraführung werden entlang einer Zeitachse massstabsgetreu dargestellt: Filmminuten werden zu Zentimetern und alle Eigenschaften und Informationen werden zu grafischen Elementen und Texten. Während der ‹Filmbetrachtung› verschiebt sich der Fokus: Es treten Aspekte des Films in den Vordergrund, die bei der einmaligen Rezeption oft unbewusst wahrgenommen werden. Ähnlich wie bei der Notation von Musik oder einzelnen Piktogrammen einer Landkarte, ist das Darstellungssystem mit Hilfe einer Legende erlern- und lesbar. Exemplarisch wurden die beiden Spielfilme Men in Black (1997) und Chungking Express (1994) in Form der grafischen Filmtranskription in jeweils ein Plakat und ein Buch transferiert. Ein Streifen auf einem der Plakate entspricht einem Kapitel (die größtmögliche inhaltliche Zusammenfassung eines Abschnittes). Der jeweilige Timecode 00:00:00:00 (Filmstart) befindet sich in der oberen linken Ecke des Plakats, das Filmende am unteren Ende des ganz rechten Streifens. Auf beiden Plakaten entspricht eine Filmminute einer Strecke von 300 pt (= 105,81 mm). In den Büchern entspricht eine Filmminute einer Buchseite.

Ausgehend von Trumps provokanten Auftritten während seiner Amtszeit als Präsident der USA stellte sich die Frage, ob sich seine aggressive Rhetorik und sein populistischer Stil anschaulich darstellen lassen und inwiefern er sich von seinen Vorgängern bzw. seinem Nachfolger unterscheidet. Grafische Experimente wurden durchgeführt, um die Struktur von Wahlkampfreden der letzten vier US-Präsidenten visuell zu untersuchen. Ausgewählte Reden von George W. Bush (2001—2009), Barack Obama (2009—2017), Donald Trump (2017—2021) und Joe Biden (2021—2025) werden in fünf Kategorien analysiert (Wortlänge, Wortarten, Emotionalität, Anzahl der Silben und Umgebungsgeräusche) und in verschiedenen grafischen Systemen und Formaten dargestellt.

Welchen Wert hat die Europäische Außengrenze? Abstrakt, systematisch und versachlicht wird in der Publikation Grenzgeschäfte Europa auf 132 Seiten der Fokus auf den äußersten Rand der europäischen Wertegemeinschaft gesetzt. Der Apparat des Grenzhaften wird dem Betrachtenden als zugespitzt entmenschlichte Interpretation der Außengrenzen vorgesetzt.

In drei Kapiteln — Territorium, Akteur:innen, Artefakte — stellt die Masterarbeit eine Sammlung des Status Quo der Grenzen Europas 2022 dar. Von geopolitischen Aspekten, über persönliche Aussagen, hin zum Objekthaften. 
Gestalterisch vervollständigen visuelle Metaphern aus der Finanzwelt die Inhalte, die in Infografiken, Typografischen Elementen und Bildsammlungen übersetzt wurden.

Responsive Design trifft auf Piet Mondrian: Raster sorgen für Ordnung und Harmonie in der Gestaltung. Sie können aber auch dynamisch genutzt werden. Die Interaktion von Farbflächen, Textboxen und Weißraum, gleichmäßig oder unregelmäßig platziert, baut Spannung auf. Schwarz umrandete Textboxen beziehen sich auf die schwarzen Linien in Mondrians Flächenkompositionen. Mit Schrift gefüllt, ergeben sich schnell konsumierbare, kurze Leseabschnitte. Die Texte sind auf wesentliche Aussagen oder wichtige Zitate reduziert. So sind sie schnell zu erfassen und werden der kürzeren Aufmerksamkeitsspanne im Web gerecht. Das Layout ist flexibel: Beim Vergrößern und Verkleinern des Browserfensters ordnen sich die Flächen und Textboxen immer wieder neu an. In der Gestaltung werden nicht nur die Primärfarben Gelb, Rot und Blau, sondern auch ausschließlich rechteckige Flächen verwendet. Die gesamte Gestaltung setzt auf Abstraktion und Einfachheit: Klare Formen, Farben und große Schrift. Ein gewisser Zufall sorgt für ein wenig Chaos: das flexible Design ist nicht komplett kontrollierbar.

In der Printpublikation wird sichtbar, dass sich das responsive Design nicht einfach auf die gedruckten Seiten übertragen lässt. Die umrandeten Textboxen weichen schmaleren Kolumnen, die sich auch in einem flexiblen Raster anordnen. Unterschiedliche Schriftgrößen und Textanordnungen unterstreichen das flexible Gestaltungskonzept – auch im statischen Print.

«It is safe to say that no form within the whole of modern aesthetic production has sustained itself so relentlessly while at the same time being so impervious to change. It is not just the sheer number of careers that have been devoted to the exploration of the grid that is impressive, but the fact that exploration could never have chosen less fertile ground. As the experience of Mondrian amply demonstrates, development is precisely what the grid resists. It is what art looks like when it turns its back on nature.»[^Krauss, Rosalind. “Grids.” In The Originality of the Avant-Garde and Other Modernist Myths. Cambridge, MA: MIT Press, 1985.]

In diesem Block wurde durch den Poesie-Workshop neue Inspiration gewonnen. Grundlage war ein eigener Text, der durch eine schlichte Gestaltung bewusst klar lesbar gehalten wurde. In der analogen Umsetzung kam InDesign zum Einsatz: Der Weißraum wurde vergrößert, Abstände gezielt verschoben, Buchstaben leicht versetzt und verändert. Auf diese Weise entstand ein experimentelles Spiel mit Weißraum und bewusst gesetzten ‹Fehlern›. Die digitale Arbeit wurde mit HTML und CSS entwickelt. Dabei überlagerten sich bewegende, farbige Balken immer wieder mit dem Text. Durch diese temporären Überdeckungen entstand eine neue, klare und zugleich farbige Form.

Um in diesem System zu überleben, muss man gierig und egoistisch sein. Alles, auch non-physische Konstrukte und Beziehungen, werden zu toten Dingen, die man sich aneignen muss. Dadurch entwickelt sich die Haltung, sich durch all jene gehorteten Dinge zu definieren. So entsteht die Existenzweise des Habens; man identifiziert sich durch das, was man hat. Jeder denkt so, weil das System es nicht anders hergibt. So beneidet man die über sich, die mehr haben als man selbst, und fürchte die unter sich, die das haben wollen, was man hat. Dies führt dazu, dass man einander misstraut und man zu all seinen Mitmenschen Abstand einnimmt. Man entfremdet voneinander, da man in dem anderen nur noch sieht, was er einem geben oder nehmen kann. In der Existenzweise des Habens zählt einzig die Aneignung und das uneingeschränkte Recht, das Erworbene für sich zu behalten. Das Ideal ist immer mehr, weshalb man nie zufrieden damit sein wird, was man bereits hat. Man muss lernen, Frieden und Seligkeit, statt Reichtum zu verlangen; auf lange Sicht zu planen und zu bauen, mit den Zielen der Gemeinschaft und Solidarität. Dies ist es, was die Existenzweise des Seins ausmacht. Ihre höchsten Werte sind das Geben, das Teilen, das Lieben. In der Existenzweise des Seins definiert man sich durch das, was man ist, was man kann und was man tut. Das entfremdete Selbst gilt es zu transzendieren und die fast verlorenen zwischenmenschlichen Verbindungen wieder aufzubauen. Um den tief verwurzelten Antagonismus zwischen einander beseitigen zu können, muss man seinen Ursprung, den Kampf um alle Dinge, das System, beseitigen. Es muss nicht nur der Einzelne aus seinem Wahn erweckt werden, sondern das gesamte System der Habgier in seinen hypnotischen Versprechen revolutioniert werden. Der Text basiert auf dem Buch Haben oder Sein von Erich Fromm, 1979.

Hacken ist kein Verbrechen! Meistens wird Hacken mit den Cyberangriffen verwechselt von den man hin und wieder in den Nachrichten hört. Hacken ist weit mehr als das unerlaubte Eindringen in fremde Computersysteme. Ein Hacker ist jemand, der die Technologie, die Systeme und die Welt um sich herum verstehen und erforschen will. Es geht darum Prozesse, die meist im Verborgenen bleiben, zu hinterfragen. Neues zu entdecken und erforschen. Neue Wege zu finden und Alte zu hinterfragen. Hacken ist eine Lebensphilosophie, die einen mit offenen Augen, Wissensdurst und voller Neugier durchs Leben gehen lässt. Im Buch Hackers beschreibt Steven Levy im Jahr 1984 die neuen Cyberkulturen und fasst ihre Meinungen und Ansichten in sechs Grundsätze der Hackerethik zusammen. In Deutschland wurde die Hackerethik später um zwei Sätze erweitert.

Die Grundsätze der Hackerethik wurden zwar vor dreißig Jahren aufgeschrieben doch sind auch jetzt noch aktuell. Wenn nicht sogar noch mehr wie damals. Mittlerweile sind Computer, egal in welcher Größe oder in welchem Anwendungsgebiet nicht mehr wegzudenken. Sie erleichtern uns den Alltag, die Kommunikation, sorgen für Unterhaltung und ermöglichen uns den Zugang zum Internet. Doch so wirklich verstehen, wie ein Computer funktioniert oder wie man das Internet bestmöglich nutzen kann, ohne mit seinen Daten zu bezahlen wissen die wenigsten. Unser Projekt ist eine Einladung sich mehr mit dem Thema zu beschäftigen

Was genau die Hackerethik bedeutet wollen die Studentinnen auf ihrer Häckermäuse FFC Website weiter erforschen. Vor allem aber wollen sie diese Themen und ihre Begeisterung dafür den Menschen nahebringen, die sich sonst nicht damit beschäftigen. Das Ziel ist also die Website so zu gestalten, dass sie zum entdecken einlädt und vor allem spaß macht. Inhaltlich und visuell.

Ästhetisch haben sie sich an einer Mischung aus Websites, Betriebssystemen der 80er, 90er und dem bunten Blinken des Chaos Comunication Congress orientieren.

In der Arbeit Hall of fame of neoliberals geht es um die Entstehungsgeschichte der Wirtschaftsidee des Neoliberalismus. Dabei soll auf der Website sowohl die Akteur:innen beleuchtet werden, die hinter dieser Idee standen und bis heute stehen, als auch die Beziehungen, in denen sie zueinander stehen. Wichtig ist dabei zu betonen, dass es nicht den einen Neoliberalismus gibt, sondern dass im Laufe der Zeit immer wieder verschiedene Strömungen mit unterschiedlichen Ausprägungen entstanden sind. Diese Arbeit ist zunächst als Modell zu verstehen – ein Versuch, die Geschehnisse rund um die Entstehungsgeschichte des Neoliberalismus visuell zusammenzutragen.

Heutzutage wird der Begriff des Neoliberalismus, der auch ein politischer Kampfbegriff ist, in der Regel negativ bewertet. So zumindest sagte selbst der ehemalige deutsche Finanzminister Christian Lindner auf die Frage, ob er neoliberal sei: „Das Wort neoliberal hat sich von seiner ursprünglichen Bedeutung völlig entfernt und ist ein deformierter Streitbegriff geworden.“[^https://www.fdp.de/pressemitteilung/lindner-interview-sind-sie-neoliberal-herr-lindner] Wenn sich also sogar der Parteichef einer wirtschaftsliberalen Partei nicht als neoliberal bezeichnet, lohnt es sich, genauer hinzuschauen: Wo kommt der Begriff eigentlich her – und wer ist wirklich neoliberal? Die Idee des Neoliberalismus entstand 1938 bei einer Zusammenkunft von 26 Männern in Paris auf Einladung des Professors Louis Rougier. Dieses Treffen ging als Walter-Lippmann-Kolloquium in die Geschichte ein. Ziel war es, eine Wirtschaftsordnung zu entwickeln, die sowohl gegen nationalistische als auch gegen kommunistische Diktaturen schützt. Der Staat sollte dabei ein Regelwerk schaffen, innerhalb dessen der Markt frei agieren kann. Aufgrund des Zweiten Weltkriegs dauerte es bis 1947, ehe sich die Neoliberalen unter der Führung von Friedrich August von Hayek in der Schweiz wiedersahen. Dort gründeten sie die Mont Pelerin Society. Diese elitäre Gesellschaft verbreitete die neoliberalen Ideen weiter, bis sie in den 1980er Jahren unter Reagan und Thatcher ihren Durchbruch gegen den Keynesianismus erzielten.

Where Phuong Dang grew up, learning to write was one of the earliest and highly regarded lessons. ‹Handwriting reflects character›—a proverb that every child must remember when practicing writing. This means that just by looking at someone’s handwriting, you can discern their personality. If the handwriting is neat and clean, then undoubtedly the writer is orderly and straightforward, and vice versa. This concise proverb is enough to reflect the Vietnamese way of life through writing.

In this collection, Phuong—someone who was born and raised in Vietnam—seeks the origins of the script she grew up with and still uses every day. The texts are compiled from various sources and may still be incomplete, for which she asks for your understanding.

Finally, she introduces a typeface font that she designed—no one is writing (English) / ‹Nét chữ nết người› (Vietnamese)—as a result distilled from the sources she provided above combined with experiences from her own life. The two stylistic sets of the typeface embody the daily struggles and thoughts within herself. Between the concept of «everything must be refined, standardized, and beautiful» (like how she was taught to write in Vietnam as a child) and the idea that «anything can be right, life is a culmination of trials and experiences» (like the process of ‹playing around› with her own portrait). She found herself in a space of combination in which she herself is like a mix, a mix of everything.

Wilhelm Ostwald (1853—1932) war ein deutscher Chemiker und Nobelpreisträger. Er gehört zu jenen Naturwissenschaftlern, die sich den Grundlagen der visuellen Gestaltung widmeten und die Protagonisten der Moderne stark beeinflussten. Ostwald entwickelte eine grundlegende Lehre der Farben und der Form-Harmonik. Sein Werk ‹Harmonie der Formen›, in dem er die Gesetzlichkeiten harmonischer Formen systematisch untersucht, steht und dem Credo Gesetzlichkeit gleich Harmonie — einem Lehrsatz alter Baumeister — und einem Gedanken von Goethe: «Und das Gesetz nur kann uns Freiheit geben». Die vorliegende Neugestaltung der Harmonie der Formen entspricht in ihrer Struktur der Ausgabe von 1924. Das Buch ist in acht Kapitel unterteilt: Raumharmonik, Linien, Flechten, Bänder, Unbegrenzte Flächen, Begrenzte Flächen, Bildkunst und Körperformen. Die Ausführungen Wilhelm Ostwalds werden durch 106 Illustrationen im Text unterstützt. Für die Überschriften wird die Schrift Klang MT benutzt. Ihre handwerklich-kalligrafischen Formensprache erinnert an die Ästhetik der Jahrhundertwende. Auch die Auszeichnungsfarbe Rot stellt einen historischen Bezug her. Für den Fließtext wird die URW Grotesk benutzt, deren dunkles Schriftbild den konstruktivistischen Moment jener Zeit reflektiert. Insgesamt wird mit einer historisierend-biederen Optik experimentiert, die durch den konstruierten Satzspiegel und den üppigen Weißraum wieder aufgebrochen wird. Die systematisch konstruierten Muster für die Kapiteltrenner basieren auf der Kombination verschiedener Gesetzmäßigkeiten, die Ostwald in dem Buch aufzeigt.

Der moderne Mensch nähert sich der Welt über Ausdrucksprägungen, die begraben aber niemals aus seinem kollektiven Gedächtnis verschwunden sind. Das ‹Fatale Muster› ist eine Auseinandersetzung mit diesen Ausdrucksprägungen. Diese Arbeit strebt einen thematischen Vergleich zwischen der zeitgenössischen Popkultur und der Bildersammlung Aby Warburgs an und entblößt diese Fatalen Formen, als die patriarchalen Geister, die uns umgeben. Der Fokus der Thesis ist die Hauntologie und das Mnemosyne Verfahren Warburgs. Warburg sah in den Bildern gestalterische Energien, die ewigen Ausdrucksformen menschlichen Seins, menschlicher Leidenschaft und menschlichen Schicksals. Die Motive sind mehrere Ausdrucke, die mit Aceton auf den Kalkstein transferiert wurden und durch ihre Rasterung, das fatale Druckmuster des Moirees bilden.

#hawehrtsich — gegen die Unterfinanzierung! ist das Motto einer Plakatkampagne, die sich gegen die Folgen der Sparmaßnahmen an der HAW Hamburg richtet.

Die Serie umfasst 218 gedruckte RISO-Plakate mit Aussagen zur Situation von insgesamt 58 Teilnehmern und Teilnehmerinnen. Hinzu kommen 25 handgeschriebene Plakate, die bei einer Aktion auf dem Weihnachtsmarkt des FSR Design entstanden sind.

Im Verlaufe des Wintersemesters 2023/24 wurden die insgesamt 243 unterschiedlichen Plakate an den Wänden der Fakultät DMI der HAW Hamburg aufgehangen, um Aufmerksamkeit auf die sogenannte Unterfinanzierung und ihre Auswirkungen auf die Studierendenschaft zu lenken.

Die Kampagne wurde dokumentiert auf dem dazugehörigen Instagram-Account @hawehrtsich.

Vor einiger Zeit stolperte Niklas Schönemann im Bürgerlichen Gesetzbuch (BGB) über die Thematik des sogenannten ‹Herrenloswerden› von Bienenschwärmen: § 961 Eigentumsverlust bei Bienenschwärmen. Dabei handelt es sich um die juristische Einordnung verschiedener Eigentumsverhältnisse von Bienenschwärmen. Demnach haben sie das Recht, sich von ihren Besitzer:innen und ihrem aktuellen Aufenthaltsort zu trennen. Es überrascht, mit welcher Leichtigkeit sich Bienen aus einem Besitzstand lösen können, wann und wo immer sie wollen. Diese sehr dynamische Möglichkeit, Freiheit und Unabhängigkeit wählen zu können, soll als Metapher für die Gestaltung genutzt werden. Die Idee reizt, die Gesetzestexte wörtlich aus dem BGB zu übernehmen, um sie alleine schon irritierend erscheinen zu lassen. Der wilde Bienenschwarm hat vor allem visuellen Charakter und ist ein Symbol für das Streben nach Unabhängigkeit und Freiheit. Dabei stellt sich die Frage, wie weit man den Vergleich der ‹herrenlosen› Bienenschwärme mit der Suche nach Unabhängigkeit treiben kann. Das Projekt soll Mut machen, sich in Richtungen zu bewegen, die wir interessant finden. Es soll ermutigen, unsere ‹Herren› — also Schwierigkeiten und Unsicherheiten — hinter uns zu lassen. Die Bienen sollten uns Vorbild sein. Sie sind in Bewegung und fordern uns zum Mitfliegen auf. Das steht sogar im BGB.

Mit seiner Plakatserie möchte der Student den Konsens einer auf Selbstoptimierung ausgerichteten Arbeitsethik konterkarieren. Eine Arbeit des Zürcher Künstlerduos Peter Fischli und David Weiss aus dem Jahr 1991 ist dafür der antagonistische Ausgangspunkt. In How To Work Better stellten Fischli und Weiss zehn Regeln für zielorientiertes Arbeiten auf. Angeregt von einer, in einer thailändischen Fabrik entdeckten Arbeitsanweisung, entwickelten sie für die Fassade eines Züricher Bürogebäudes ihr monumentales typografisches Pendant, das seit 2016 auch eine Fassade in Manhattan schmückt. In der Parallele zu den Zehn Geboten des Alten Testaments erscheint hier der Arbeitgeber als Gott und das Künstlerduo als Moses, der zwischen ihm und der arbeitenden Menschheit vermittelt. Diese Regeln, die für einen kapitalistischen Unternehmer unter dem Aspekt der erhofften Produktivitätssteigerung optimal sind, weben ein Narrativ der Selbstoptimierung, das jedoch selten der Realität entspricht. Um ein Gegengewicht zu dieser Erzählung zu schaffen, wird das Thema der Prokrastination aufgegriffen und typografisch umgesetzt. Dazu thematisiert der Student Strategien der Prokrastination, deren allgemeine Bekanntheit den subversiven Geist von Fischli und Weiss betont und die Gebote How To Work Better als unternehmerische Ideologie entlarvt, obwohl sie idealistisch geschönt daherkommt. Denn wer möchte nicht besser arbeiten können? Die Zehn Gebote für unkonzentriertes und ineffizientes Arbeiten sind ein ironischer Kontrapunkt, der einen humorvollen, aber realistischen und nicht idealistisch verzerrten Einblick in den Arbeitsprozess von Menschen mit Konzentrations- und Antriebsschwäche gibt. Abschließend ließe sich die These formulieren, dass sich prokrastinierende Arbeiter*innen mehr oder weniger bewusst der zwingenden Logik von Ausbeutung und Optimierung entziehen.

Die kinetische Plakatserie How do you think bietet mögliche Gegenpositionen zur Heteronormativität an, um das eigene Konzept von Freiheit zu reflektieren und neu zu definieren. Das alltägliche Leben ist oft von Heteronormativität geprägt: Gesellschaftliche Klischees und Stigmata sowie die ganzheitliche digitale Vernetzung schränken unsere Eigenverantwortung für Unabhängigkeit und Selbstbestimmung ein. So stellen wir vorgegebene gesellschaftliche Strukturen über uns selbst. Um neue Impulse zu setzen, müssen wir das Potenzial unserer eigenen Freiheit wieder entdecken.

Das Projekt How to pop the bubble beschäftigt sich mit der Frage, wie das Wissen über feministische Themen aus der eigenen sozialen Blase an andere Gruppen weitergetragen werden kann, ohne Vorurteile, Angst vor Fremdwörtern oder dem Gefühl einer Belehrung. Die erstellten Gesprächskarten umfassen Fragestellungen aus feministischen Bereichen und sollen eine Brücke bilden, die es ermöglicht, sich spielerisch über die Themen und neuen Begriffe auszutauschen. Dabei ist vor allem entscheidend, dass man seinen Gesprächspartner:innen zuhört und Raum für Nachfragen lässt. Der für die Ausstellung gestaltete Esstisch soll eine Familiensituation widerspiegeln, in der Personen aus unterschiedlichsten sozialen Gruppen dazu eingeladen sind, die Karten selbst einmal auszuprobieren.

Basierend auf den Text What is queer typography? by Paul Soulellis versucht die Studentin sich von den kapitalistischen Prinzipien des Design, wie es uns als westliche Disziplin beigebracht wird, zu lösen und zu erforschen, welche neuen konzeptionellen Möglichkeiten sich dadurch ergeben. Im Zentrum der Website wird die von ihr gestalteten Font Denormalizer frei zur Verfügung gestellt. Anstatt die Verwendung durch Geld zu regulieren, muss Zeit investiert werden, indem man sich mit dem thematischen Kontext der Schrift befasst, um das Downloaden der Schrift zu ermöglichen.

Häkelschriften und Programmiersprachen sind Anleitungen, die von Menschen oder Maschinen gelesen und umgesetzt werden. Jedes dieser Systeme besitzt eigene Regeln und Logiken, die das Aussehen des Endresultats (Häkelstück oder Website) bestimmen. Welche Ergebnisse entstehen, wenn diese Anleitungen vermischt werden? Dafür wurden nach Analogien in diesen Sprachen gesucht und eigene Übersetzungsregeln entwickelt. Als Grundlage dienten Häkelanleitungen für einige Buchstaben, die in HTML und CSS übertragen wurden. Jedes <div> stellt eine Masche dar, die ineinander gehäkelt/verschachtelt sind. Angaben wie Nadelstärke oder Maschenart werden in CSS übersetzt und können von den User:innen angezeigt oder ausgeblendet werden. Die Farbnummer der Wolle wird beispielsweise zum HEX-Code für die Border-Color. Je nach Einstellungen entstehen auf diese Weise unterschiedliche Muster.

«Es wird wahrscheinlich eine Zeit geben, in der die Menschen auf ferne Planten reisen werden. Wenn das passiert nehmen wir unsere tödliche Mixtur aus Arroganz, Gier und Gewalt mit und werden diesen Planeten genauso zerstören wie wir es schon mit unserer Erde getan haben.»[^Wulf, Andrea. The Invention of Nature: Alexander von Humboldt’s New World. New York: Alfred A. Knopf, 2015.] so schreibt Andrea Wulf in Alexander von Humboldt und die Erfindung der Natur. Humboldt hat das Band zwischen Natur und Mensch erfasst und in seinen Studien beschrieben. Sind diese Tier- und Pflanzenarten, die Humboldt damals entdeckt und katalogisiert hat, vom Wandel unserer Umwelt betroffen? Dieser Frage widmet sich der Humb catalog. 127 der von Humboldts katalogisierten Tier- und Pflanzenarten wurden anhand der IUCN Red List für gefährdete Arten kategorisiert.

Alexander und Wilhelm von Humboldt gehören zu den bekanntesten und erfolgreichsten Wissenschaftlern aller Zeiten. Sie recherchierten, beobachteten und notierten. Und schrieben all ihre Erkenntnisse nieder, im Versuch die Welt zu begreifen. An diesen unstillbaren Wissensdurst hat hier die Gestaltung angeknüpft. Als Inspiration dienten die Notizbücher von Alexander von Humboldt, in denen er alles in strikter Ordnung und dennoch kreuz und quer notiert und festgehalten hat: Seiten wurden eingeklebt, Skizzen hinzugefügt oder lose eingelegt. Diese Idee hat die Studentin sich für ihre Gestaltung zueigen gemacht, so dass man innerhalb des Kataloges hin und her blättern muss, das Buch drehen und in gewisser Weise erforschen muss, um mehr Informationen zu einem Objekt, einem Text oder Bild zu erlangen.

Die Gebrüder Humboldt waren reiselustige Intellektuelle, stets auf der Suche nach neuen Erkenntnissen und oftmals ihrer Zeit weit voraus. Ihr Verstand arbeitete ständig, Gedanken wurden aufgeschrieben, neue Erkenntnisse notiert und immer wieder als Einschübe hinzugefügt. Davon inspiriert, zeichnet sich das Gestaltungskonzept des Katalogbuches durch Einschübe, Verschübe sowie Drehungen des Textes und der Abbildungen aus. Um auf die Aktualität der Gedanken von den Humboldt-Brüdern hinzuweisen, werden ihren Zitaten Fotos aus der heutigen Zeit gegenübergestellt. Die Wahl der blaue Auszeichnungsfarbe ist eine Hommage an das Schloss Tegel, dem Ort ihrer Kindheit und Jugend und dem Ursprung ihres Forschergeistes.

Wie ein Kaleidoskpo würfeln die üppigen Kollagen zu Beginn eines jeden Kapitels die entsprechenden Abbildungen durcheinander. Sie symbolisieren das vermeintliche Chaos der Welt. Im Gegensatz dazu stehen die Weißräume auf den Textseiten für die innere Leere des Nichtwissens. Die Leere wird erst am Ende der Kapitel mit den Objekten gefüllt. Die Texte sind im strengen Blocksatz gesetzt. Die Differenzierung von Fließtext und untergeordneten Informationen bricht die Strenge des Layouts. Die offene Fadenheftung macht die innere Struktur des Buches sichtbar.

Die Aufgabe bestand darin, Typografie unter den Aspekten Grid, Transformation, Poesie und Sound – analog wie digital – in Bewegung zu versetzen.

Die analoge Transformation erzeugt die Illusion echter Bewegung: Ein Transparentpapier mit dreizeiliger Typografie wird gebogen und verformt. Im digital animierten Plakat läuft die Zeile ‹Nur wer bereit zu Aufbruch ist und Reise› aus Hermann Hesses Gedicht Stufen (1877–1962) über das Format und bilden wie eine Treppe die visuelle Entsprechung zur Metapher des Gedichts.

Beim Thema Grid inspirierten mich die systematischen Gestaltungen von Herbert W. Kapitzki (1925–2005). Ich drehte einfache Formen immer wieder im Raster, bis ein neues Muster entstand. Im digitalen Arbeitsprozess animierte ich daraufhin Pixelbuchstaben – inspiriert von den Namen verschiedener Eissorten – so, dass eine wellenartige Bewegung sichtbar wurde.

Hyperpanoptical times ist eine Text-Installation, die das Interface und seine immanenten Machtdimensionen thematisiert. Sie ist zugleich das Interface zur ihr vorangegangenen design- und machttheoretischen Forschung und den durch sie hervorgebrachten Erkenntnissen und Gedanken, die über sie vermittelt werden. Den Rezipierenden erschließt sich die Installation nicht durch die übliche Interaktion mit einer grafischen Benutzeroberfläche, sondern indem sie sich im Raum und zu ihren einzelnen Erscheinungen positionieren. Ziel der Installation ist es, die mittlerweile als natürlich erachtete Wahrnehmung von und den Umgang mit Interfaces zu irritieren, zu reflektieren und daraus neue Erkenntnisse zu generieren. Dies geschieht sowohl auf inhaltlicher Ebene, auf der die Rezipierenden mit Fragen, Gedankenexperimenten und Thesen konfrontiert werden, als auch auf gestalterischer Ebene, indem die Installation als Interface behandelt wird, das seine eigene Konstruiertheit darstellt.

Das chinesische Buch der Wandlungen enthält 64 Hexagramme, die über 5000 Jahre alt sind. Ihr Aufbau gleicht dem der DNA und sie sind in der Lage jedes Phänomen im Kosmos darzustellen. Ein visuelles Remake unterstützt deren Bedeutung. Das in den Hexagrammen enthaltene System einer Baumstruktur wird visuell als Frequenz dargestellt. Hierzu wurden sechs Parameter der Bewegung (Hexagramm 1) und sechs der Form (Hexagramm 2) zugewiesen. Hexagramm 1 und 2 beschreiben zusammen eine Wandlung. Insgesamt ergeben sich 4096 Kombinationen. 32 Farben wurden sinngemäß zugeordnet (Wasser – blau, Feuer – rot, Erde – braun, Himmel – weiß, Berg – purpur, Donner – gelb, Holz, bzw. Wind – grün, See – Pastell).

Das Buch der Wandlungen ist das älteste und — in der Übersetzung von Richard Wilhelm — weltweit bekannteste chinesische Buch. Es besteht aus 64 Hexagrammen, die ein geschlossenes philosophisches System bilden und einen Ansatz liefern, die Welt intuitiv und poetisch zu erfassen. Das Werk hat Persönlichkeiten wie Hermann Hesse und Bob Dylan inspiriert, John Cage nutzte es für seine Kompositionen, Texte und grafische Arbeiten. Hier liegt das Buch der Wandlungen in einer neuen grafischen Konzeption vor, die sich gleichzeitig dem System wie dem Mythos des Werkes verpflichtet fühlt.   

„Das Internet vergisst nichts!“

Wir alle kennen diese Aussage, die uns warnen soll, welche persönlichen Informationen wir ins Internet stellen. An sich sagt diese Aussage aber gar nicht aus, dass es gefährlich ist; Flo Büchel erkennt in digitalen Inhalten ein optimales Langzeitspeichermedium. Die Inhalte, mit denen sie sich auseinandersetzten, waren kleine Botschaften an sie selber. Da sie sich zur Zeit des Kurses viel mit sich selber auseinandersetzten, haben sie die gelernten Lektionen festhalten wollen. Es fungiert als Zeitkapsel und hält deren Fortschritt fest. Analoge Plakate, die intuitiv und experimentell entstanden, gepaart mit ihren digitalen Memoiren: Zusammen sollen sie sie daran erinnern, dass sie mit Kunst ein Werkzeug hat, immer weiter wachsen zu können.

… wir hätten damals mehr die Omi fragen müssen! Um die Erinnerungen ihrer Großfamilie festzuhalten, interviewte Eva Mitschke ihre Großmutter und ihren Großonkel und übersetzte deren mündliche Zeitzeugenberichte in einen typografisch modellierten Erzählstrom, der sich durch Gedächtnislücken, Gedankensprünge, Widersprüche und Abschweifungen auszeichnet. Die Erzählungen der beiden Hauptprotagonisten werden durch Nachfragen und Kommentare der Autorin unterbrochen und durch nachträglich hinzugefügte Informationen sowie Verweise auf zugehörige Bilder und Textstellen ergänzt. Es werden Erinnerungsorte und Begriffe hervorgehoben, die für die Familie von Bedeutung sind, Gedächtnislücken und Gedankensprünge gekennzeichnet. Sinnzusammenhänge, die im Erzählen auseinandergerissen wurden, werden durch gebogene Linien neu verbunden. Die typografische Bearbeitung des fließenden Stroms erleichtert es einerseits, den Gedankengängen zu folgen. Andererseits offenbaren sich dadurch Zusammenhänge in der Familiengeschichte, die im Zuhören nur schwer zugänglich sind. Mit dieser Arbeit wurde eine Darstellungsform für ein Familiengedächtnis erarbeitet, die anregt, zwischen den Zeilen zu lesen.

Indem der sonst unsichtbare Filterprozess sichtbar gemacht wird, möchte die Designarbeit If ( ) { } Else { } mehr Bewusstsein für personalisierende Algorithmen im Internet schaffen. Die Installation simuliert das Filtern von Daten, indem persönliche Gesichtsmerkmale wie Abstand der Augen oder Größe der Nase der Betrachter:innen per Face-Tracking ausgelesen werden und Informationen entsprechend personalisiert zugeordnet werden.

Stell dir vor, du hast gerade ein erfolgreiches Projekt abgeschlossen. Glückwünsche und Lob erreichen dich von allen Seiten. Doch inmitten des Jubels taucht der leise Gedanke auf, ob nicht vielleicht einfach nur glückliche Umstände zum Erfolg geführt haben und ob du es nicht hättest besser machen können. Du wirst das Gefühl nicht los, ein:e Hochstapler:in zu sein. Diesen Zustand nennt man Impostor-Phänomen.

In dem Semesterprojekt Impostor-Phänomen. Ein feindliches Selbst hat sich die Studentin sowohl inhaltlich als auch gestalterisch mit diesem Phänomen auseinandergesetzt.

Cyborgs sind laut Donna Haraways Cyborg Manifesto Geschöpfe einer Post-Gender Welt. Sie überspringen die Stufe einer ursprünglichen Einheit und definieren so Natur und Kultur neu. Cyborgs sind oppositionell, ohne Unschuld und zeichnen sich durch Parteilichkeit, Intimität und Perversität aus. Ebenso sind sie Abkömmlinge des Militarismus und patriarchalen Kapitalismus und vereinen so auch Systeme der Unterdrückung in sich. Die Cyborg als Lebensform ist als Regeneration statt Wiedergeburt zu verstehen, als Rekonstruktion einer Welt mit dem utopischen Traum des Verzichts auf jegliche Form von Dualismus. Durch die Konstruktion dieses Mythos stellt Haraway bestehende Macht- und Herrschaftsverhältnis in Frage. Sie unterstreicht, dass Verantwortung für soziale Beziehungen Gedankenspiele anti wissenschaftlicher Metaphysik an der Grenze zu Science Fiction bedeutet, ebenso wie die Zurückweisung der Dämonisierung der Technologie und das bereitwillige Erlernen neuer Aufgaben, die mit den neuen Techniken einhergehen. Die Metaphorik der Cyborg nutzt sie um einen Ausweg aus dem Labyrinth der Dualismen aufzuzeigen. Laut Haraway bedeutet dies gleichzeitig den Aufbau und die Zerstörung von Maschinen, Identitäten, Kategorien, Verhältnissen, Räumen und Geschichten. Wie lässt sich diese Utopie aus heutiger Sichtweise bewerten? Verspricht die Mythologie tatsächlich die Verheißung einer neuen besseren Welt? Wie können wir die Begrifflichkeit und Ideen nutzen, um uns gesellschaftlich weiterzuentwickeln und Grenzen dualistischer Herrschaftsverhältnisse zu überwinden? Und ist das die neue Welt so wie wir sie uns wünschen?

Das Internet ist aus unserem Alltag nicht mehr wegzudenken. Es bestimmt die Weise, in der wir Informationen rezipieren und prägt unsere Gesellschaft maßgeblich. Es ist deshalb naheliegend, dass Netztheorien wichtiger Bestandteil vieler moderner Designmanifeste sind. In der Auseinandersetzung mit diesen Theorien sind acht bewegte Plakate entstanden, welche nicht nur die Komplexität des Internets, sondern auch dessen Einfluss auf unsere Gesellschaft, thematisieren.

Noch nie waren wir so vielen Informationen gleichzeitig ausgesetzt wie jetzt. Wir verbringen acht bis zehn Stunden pro Tag vor einem Bildschirm und lassen uns von morgens bis abends das kognitive Bewusstsein von Bildern und Informationen überschwemmen.

Information overload bzw. die Informationsüberflutung hat durch technologische Entwicklungen, soziale Medien, Werbung und propagandistische Absichten einen neuen Höchststand erreicht. Die tägliche Verarbeitung und Selektierung tausender Informationen erfordert hohe Anstrengungen und kann das menschliche Gehirn stark belasten: von Entscheidungsunsicherheit, alltäglichem Stress, schlechterem Schlaf und Erschöpfung bis zu Migräneattacken und psychischen Erkrankungen.

Als Schutzmechanismus reagiert das Gehirn mit Abschottung gegenüber Umweltreizen. Ganz zum Bedauern der Werbeindustrie: Bei der Recherche zu diesem Thema begegnet man vielen Quellen, die die Informationsüberflutung als Problem für Marketer erklären und Strategien entwickeln, die Wahrnehmungsschwelle trotzdem zu durchdringen. Um ins Langzeitgedächtnis zu gelangen, sollen Kampagnen kürzer, emotionalisierend und provokant sein und eine hohe Reizintensität haben.

Im Gegensatz zum Zeitgeist des digitalen Zeitalters, in dem Synapsen frittiert und Sinne bombardiert werden, steht die Natur. Die Natur will nichts von uns, versucht nicht, uns etwas zu verkaufen oder uns zu manipulieren. ‹Touch Grass› steht für den Rückzug aus der Informationsflut und fordert auf, Tempo rauszunehmen, die persönliche Reizbombardierung zu reflektieren und sich auf die Suche nach Bewältigungsstrategien und Bedürfnissen zu begeben.

Das Wichtigste in der Typografie ist die Lesbarkeit. Um diese zu gewährleisten, folgen wir (angehenden) Designer und Designerinnen den Regeln der Typografie. Das Projekt Irre Typo setzt sich mit diesen Regeln auseinander, um mehr Bewusstsein im Umgang mit ebendiesen zu entwickeln. Folgende Regeln wurden genauer untersucht: die Regeln zu einem guten Block-, und Flattersatz, wie man richtig trennt, was eine gute Laufweite ist und wie man Wortzwischenräume korrekt setzt. Dabei kam die Frage auf , ob nicht auch ein gutes Design entstehen kann, wenn man diese Regeln bewusst bricht. Also wurde aus dem Thema: Regeln der Typografie das Thema Irreguläre Typografie.

Die Musik der 60er und 70er klingt nach Freiheit, Liebe und Gleichheit. Doch hinter groovigen Melodien und scheinbarer Gleichberechtigung verstecken sich oft problematische Botschaften: Frauen werden sexualisiert, kontrolliert und auf stereotype Rollen reduziert. Songs wie Under My Thumb oder Run for Your Life erzählen nicht von Liebe, sondern von Besitz, Macht und Unterwerfung — romantisiert als Leidenschaft. Mädchen werden zu Objekten gemacht und Gewaltandrohungen klingen wie Liebesbekenntnisse.

Is this Love? hinterfragt Frauenbilder dieser Ära — und was davon bis heute unreflektiert weiterlebt. Das Projekt lädt dazu ein, bekannte Songs neu zu hören — mit offenem Blick auf das, was zwischen den Zeilen steht.

Ein Ort, der nur dir gehört.

Du hast die Kontrolle über alles.

Mit deiner Vorstellungskraft kannst du alles erreichen.

Du kannst unmögliches möglich machen.

Kannst du den Weg zu deiner Insel finden?

Suche sie und du wirst dafür belohnt.

Du kannst fliegen,

Du kannst schwerelos sein,

Du kannst Naturgesetzte aushebeln,

Du kannst erschaffen,

Du kannst Wunschorte zum Leben erwecken.

Eine Insel, die man durchs luzide Träumen erreicht. Man kann seine Insel selbst gestalten und seine Träume ausleben, egal ob simple oder abstraktere.

Tote Pflanzen gießen

Hässliche Häuser blau anmalen

Rosen an unfreundliche Menschen verschenken

Erdbeeren an Fremde verschenken

Bushaltestellen dekorieren

Den Eltern sagen, dass sie recht haben

Süßigkeiten für Ameisen sammeln

Spinnen das Schwimmen beibringen

Tanzen beim Einkaufen

Blumen pflanzen, wo immer es möglich ist

Montags Cowboyhüte tragen

In vier Sessions befasste sich die Gestalterin mit Raster, Transformation, Poesie und Sound. In Session eins entstand ein analoges Plakat, inspiriert von Müller-Brockmanns Beethoven-Plakat, das auf einem radialen Raster basiert und Ordnung mit Dynamik verbindet. Digital wurden Buchstaben aus Rastermodulen animiert, bis sie unlesbar zerfielen. In Session zwei nutzte sie Netzstoff, Schablonen und Licht, wodurch Texturen und Schatten entstanden. Digital führten zufällige typografische Verschiebungen zu bewegten Kompositionen. Session drei zeigte analog einen zerschnittenen und versetzten Schriftzug, der Rhythmus aufbrach, während digital laute Farben und starke Animationen dominieren. In Session vier verband sie variable Fonts mit Audioverfremdung, wodurch Überlagerungen, Unschärfe und fragmentierte Bewegungen das Plakat prägten.

In seinem Projekt hat Jan Michaelsen sich mit dem Kapitalismus auseinandergesetzt.

Ein Thema war das Verhältnis von Kapitalismus und Demokratie. Diese beiden Systeme sind überwiegend unvereinbar, da politische Gleichheit nur mit wirtschaftlicher Gleichheit einhergeht: Wer hat die Zeit und die Ressourcen (Geld, Energie), sich politisch weiterzubilden und eigene politische Ziele und Bedürfnisse zu setzen? In einer kapitalistischen Gesellschaft sind auch diese Mittel ungleich verteilt.

Ein weiterer Punkt ist die Vereinbarung von Antikapitalismus und Design. Mara Recklies bringt es in ihrem Essay Über die schwierige Beziehung von Design und Kapitalismus auf den Punkt: «Design verleiht dem Kapitalismus das magische Funkeln, das so gar nicht nach Elend, Ausbeutung und Katastrophe aussieht.»[^Recklies, Mara. Über die schwierige Beziehung von Design und Kapitalismus. Frankfurt am Main: Form, 2023.] Diese Aussage spiegelt wider, was der Student in den letzten Jahren gefühlt hat und was ihn daran gehindert hat, sich selbst als Designer wahrzunehmen. Design folgt größtenteils kapitalistischer Logik und selbst vermeintlich ‹antikapitalistische› Alternativen, wie nachhaltige Produkte oder gemeinnützige Arbeit, haben letztlich das Ziel, zu verkaufen oder durch schlecht bezahlte Arbeit weiter auszubeuten.

Recklies spekuliert in ihrem Essay auch über mögliche Auswege aus dem Kapitalismus, gesteht sich aber ein, dass sie keine funktionierende ‹Exit-Strategie› kenne. Antikapitalistisches Arbeiten in einem kapitalistischen System ist eine große Herausforderung. Ein Umsturz muss in vielen kleinen Schritten erfolgen und ein Erster wäre, kapitalismuskritisch zu arbeiten, auch wenn man sich ein einer kapitalistischen Umgebung bewegt.

It’s not about me ist eine Plakatserie von Thuy Linh Dang. Die Arbeiten bewegen sich zwischen analogem Druck, experimenteller Typografie und digitaler Animation. Linienraster – inspiriert von Kapitzkis parametrischem System – bilden die Grundlage für animierte Kantenstrukturen. Transformationen wurden fotografisch untersucht, indem Typografie durch Licht und Schatten verformt und verzerrt wurde. Das poetische Wortsystem entstand aus dem egozentrischen Achsen-System, in dem Wörter nach drei Kriterien bzw. Achsen bewertet wurden. Schließlich experimentierte die Studentin mit verschiedenen Aussprachen einer KI-Stimme in unterschiedlichen Sprachen und übersetzte die Rhythmen in visuelle Reaktionen. So verschränken sich Raster, Transformation, Sprache und Klang zu einer visuellen Sprache, die ständig in Bewegung bleibt.

Textsammlung zu Kultureller Aneignung

Als reiche, westliche Gesellschaft bedienen wir uns ausgiebig an anderen Kulturen. Designschaffende tragen aktiv zu dieser unreflektierten Nutzung anderer Kulturgütern bei. In dieser Schweizer Broschur bündeln sich Texte einer Recherche zum Begriff Kulturelle Aneignung. Sie sollen zum Verständnis beitragen und auf das Thema in unserem gestalterischen, designerischen Umfeld aufmerksam machen, dafür sensibilisieren und zum eigenen Reflektieren anregen. Gezeigt wird eine ganz persönliche Recherche, die keinen Anspruch auf Vollständigkeit, Richtigkeit und Allgemeingültigkeit erhebt. Nach dieser Recherche stellt sich verstärkt die Frage nach der Position und Haltung von uns Designer:innen.

Die öko-kritische Multimedia-Installation J’adore Venise untersucht die Verflechtung von Hypertourismus, Überwachungskapitalismus und Simulationen mit dem Schwerpunkt auf der komplexen Sozio-Ökosphäre von Venedig.

Was passiert, wenn der Tourismus zum Haupterzähler wird? Wenn die touristische Erzählung die lokale Wirtschaft infiltriert und zum wichtigsten Instrument der Ortsgestaltung wird? In dieser Hinsicht ist der virtuelle Konsum eines Raums eine praktikable, nachhaltigere Alternative? Wie können wir das extraktive Narrativ des Überwachungskapitalismus mit Hilfe digitaler Werkzeuge neu formulieren, um den (Stadt)Nutzer:innen und Erzählungen vor Ort ihre Handlungsfähigkeit zurückzugeben?

Kein Tag ist wie der andere: Kaum wahrnehmbar schwankende Körpertemperaturen oder offensichtlichere Werte wie die Anzahl der Sonnenstunden am Tag haben Auswirkung auf unseren Biorhythmus und damit auf unser Gemüt: sie bestimmen unseren Alltag. Auf Basis einer Datenbank aus meteorologischen und biologischen Daten entsteht eine organische Form, die sich aufgrund verschiedener Parameter von Tag zu Tag verändert und somit Rückschlüsse auf 365 Tage eines Jahres zulässt.

Per Knopfdruck erstellt JukeJamPix ein Bild von einem Song deiner Wahl – eine ungewöhnliche Interpretation digitaler Musik. JukeJamPix analysiert Parameter wie Tondauer, Lautstärke, Takt und Klang in einzelnen Zeiteinheiten und überträgt sie in Formen und Farben. JukeJamPix eröffnet eine neue Perspektive auf das Verhältnis von musikalischen und visuellen Strukturen.

Der Siegeszug des Personal Computers, der Mitte der Neunzigerjahre mit beispielloser Geschwindigkeit in die Haushalte der westlichen Welt eingezogen ist, rekurriert zumeist auf zwei Aspekte: Virtualisierung von Wirklichkeit und weltumspannende Vernetzung. Dass der PC aber auch eine Vervielfältigung von Ausdrucksformen und -formaten mit sich brachte, ist ein Aspekt, der manchmal eher stiefmütterlich betrachtet wird.

Im Zuge der Digitalisierung[^Der Begriff der Digitalisierung bezieht sich in der vorliegenden Arbeit in der Hauptsache auf den Einzug des Personal Computers in den alltäglichen Haushalt. Der Gebrauch digitaler Geräte in der Gestaltung in den vorangegangenen Jahren davor wird, sofern nicht anders gekennzeichnet, ausgeblendet.] hielt die Comic Sans als im Betriebssystem Windows 95 vorinstallierte Schrift im Sommer 1995 Einzug in viele Haushalte und ist seither aus der alltäglichen Gestaltung nicht mehr wegzudenken. Nach ihrer Einführung fand sie erst rasch Verbreitung, später wurde sie eher verächtlich beäugt. In jüngerer Zeit erlebt die Comic Sans nun aber eine neuerliche Konjunktur, die maßgeblich mit dem aktuellen Revival der Jahrtausendwendezeit in vielen Bereichen der (Jugend-)Kultur zu tun hat. So werden persönliche Fragen nach Prägung und Geschmacksbildung aufgeworfen: Was ist meine Auffassung von Gestaltung? Wie und vor welchem Hintergrund positioniere ich mich als Gestalterin? Und wie beeinflussen äußere Umstände, wie der Fakt, die erste Generation zu sein, die mit digitalen Medien aufwuchs, meine Herangehensweisean Gestaltung?

In dieser Bachelorarbeit steht der Versuch im Vordergrund, die Comic Sans historisch und gestalterisch einzuordnen, was auch bedeuten muss, sie als eine Schrift ernst zu nehmen, die unseren Alltag ganz wesentlich mitbestimmt. Anhand unterschiedlicher Techniken und mit Hilfe der Helvetica als formaler Gegenspielerin wird die Comic Sans auf ihre Eigenschaften untersucht. Die Analyse läuft auf die Gestaltung einer neuen Schrift hinaus: Dopamin ist eine variable (Bügelperlen-)Rasterschrift, die sich momentan noch in der Entstehung befindet und bald als Open-Source-Schrift verfügbar werden soll.

DAS KAPITAL IST KEIN KONSTRUKT Der Kapitalismus bringt zwei einander antagonistisch entgegengesetzte Klassen hervor: Bourgeoisie und Proletariat.Eine Klasse, die über das Eigentum an Produktionsmitteln verfügt und eine, die nichts außer ihrer Arbeitskraft besitzt und somit gezwungen ist, diese zu ver-kaufen. Die Bourgeoisie vermehrt ihren Reichtum durch die Ausbeutung des Proletariats. Sie zahlt den Arbeitern und Arbeiterinnen einen Lohn für die Benutzung ihrer Arbeitskraft und eignet sich das Produkt ihrer Arbeit an. Sie versucht am laufenden Band, die Produktionskosten zu senken. Deshalb drückt sie den Lohn, intensiviert die Arbeit und macht ständig Arbeiter und Arbeiterinnen überflüssig.

DER STAAT IST KEIN KONSTRUKT Der bürgerliche Staat ist die organisierte Gewalt der Bourgeoisie. Er ermöglicht die Ausbeutung des Proletariats, indem er das Privateigentum durchsetzt. Er vertritt die Interessen des nationalen Kapitals nach innen und außen und verschafft ihm gute Bedingungen zur Vermehrung. Durch die Einziehung von Steuern finanziert er die Mittel zur Durchsetzung seiner Interessen. Deshalb ist er vom Erfolg des nationalen Kapitals abhängig. Außerdem verwaltet er die durch die kapitalistische Produktionsweise entstehenden Widersprüche mit dem Zweck, diese und seine Herrschaft aufrechtzuerhalten.

DAS PATRIARCHAT IST KEIN KONSTRUKT Frauen werden im Kapitalismus doppelt, als Arbeiterinnen und durch Männer, unterdrückt. Sie sind für die kapitalistische Produktion weniger brauchbar als Männer, wegen möglicher Schwangerschaft und durchschnittlich geringerer körperlicher Leistungsfähigkeit. Sie sind für das Kapital nützlich, indem sie die Reproduktion der Arbeitskraft durch unbezahlte Hausarbeit sicherstellen und die Reproduktion der Klasse gewährleisten — das heisst, die zukünftigen Arbeiter und Arbeiterinnen gebären. Aus dieser gesellschaftlichen Stellung der Frau resultiert die patriarchale Ideologie. Will man Unterdrückung und Ausbeutung abschaffen, muss man das Kapital und den bürgerlichen Staat abschaffen. (Marx & Engels, Manifest der Kommunistischen Partei, 1848)

Das Projekt Kiosk 3000 beschäftigt sich mit dem Thema Lokalität im virtuellen Raum. Von der Idee geleitet, wie ein digitaler Kiosk in Zukunft aussehen und funktionieren könnte, stellte sich die Frage, ob ein Ort der sozialen Begegnung überhaupt ins Internet übertragbar ist, da Lokalität und Nachbarschaft maßgebende Faktoren dafür darstellen.

Obwohl der Zufall bestimmt, wo eine Person geboren und sozialisiert wird, bildet ebenjener Raum eine fundamentale Ordnung für das jeweilige Leben. So ist auch die eigene Perspektive immer geprägt von unserem Umfeld. Raum im klassischen Sinne eines reellen Ortes existiert virtuell nicht, ebenso wenig wie Lokalität. Jede Person kann egal wo sie sich befindet auf das Internet zugreifen. Ist es daher erstrebenswert diese Kategorien nachzubauen und aufrecht zu erhalten? Welche Möglichkeiten eröffnen sich wenn Räumlichkeit im virtuellen an Bedeutung verliert? Bietet das Aufbrechen von Raum als gliederndes Element die Möglichkeit zur Neuordnung gängiger Hierarchien und Perspektiven?

Um diese Gedanken zu übertragen, sammelt Website Kiosk 3000 Bilder, die die Studentin selbst von ihrer Umgebung aufgenommen, zerschnitten, verfremdet und neu zusammengesetzt hat. Es ist ein Versuch, die eigene Perspektive zu visualisieren und gleichzeitig zu dekonstruieren.

Hinter dem Akronym KiSS verbirgt sich das 2019 gegründete Graduiertenkolleg der Partnerhochschulen HfMT Hamburg und HAW Hamburg. Die Autor:innen beleuchten den Themenkomplex aus unterschiedlichen Fachrichtungen im Sinne einer Transdisziplinarität. Rund um Kinetics in Sound & Space treten künstlerische und wissenschaftliche Disziplinen in einen kritischen Diskurs miteinander und legen so den Grundstein für diesen fachlich breit aufgestellten Band.

Herausgegeben von Thomas Görne, Georg Hajdu, Benjamin Helmer und Jacob Richter, mit Beiträgen von Alessandro Anatrini, Greg Beller, Kristin Kuldkepp, Jacob Richter, Elise Schobeß, Stefan Troschka, Thomas Görne, Gerriet K. Sharma und Georg Hajdu.

Die Auseinandersetzung mit den Dynamiken von Raumklängen und Klangräumen prägte auch die Gestaltung dieser Publikation: Claudia, Leoni und Liad – Masterstudentinnen des Kommunikationsdesigns – entwickelten ein reduziertes, zugleich virtuoses gestalterisches Konzept.

Kommt her auf unsere Insel, schaut mal vorbei. Schwimmt rüber zu uns, in eine Welt die sich schmückt mit wunderschönen Federn, fremden Federn. Schwimmt rüber zu uns, wo das fremd sein bestaunt wird, auf unserer Insel hat man den Rundumblick. Schwimmt rüber zu uns, der Eintritt ist frei, bezahlt dafür haben andere. Schaut sie euch an, die Kunst, die fremde Kunst, sie wird euch den Atem rauben. So wie wir sie anderen raubten. Die Kunst? Oder den Atem? Oder den Atem für die Kunst? Schwimmt rüber zu uns, durch den Nebel der Geschichtsklitterung, danach habt ihr die beste Sicht, historische Gerechtigkeit gibt es hier nicht.

Seit jeher interessieren wir uns für die dunklen Abgründe der Menschheit. Streamingplattformen sind gefüllt von Dokumentationen über den Handel mit Drogen und Waffen, kriminelle Klans und ihre Machenschaften oder auch die so geheimnisvoll erscheinenden Gefängnisinseln. Einige Insassen wurden durch ihre spektakulären Ausbruchversuche oder besonders skrupellose Verbrechen zu Legenden, andere werden von der Gesellschaft komplett verurteilt. Straftaten werden nach unterschiedlichem Maßstäben von uns be- und gewertet. Doch was lösen das Konstrukt und die damit einhergehenden Strafen, Regeln und Vorgehensweisen der juridikativen Institution eigentlich in uns aus? Haben wir eine Meinung oder Empfindung dazu?

Strafe und Resozialisierung
Der Vollzug der Freiheitsstrafe dient zum einen dem Schutz der Allgemeinheit vor weiteren Straftaten. Zum anderen soll der Inhaftierte befähigt werden, künftig in sozialer Verantwortung ein Leben ohne Straftaten zu führen. Er soll sein Verhalten ändern und sich an die Ordnungs- und Wertevorstellungen der Mehrheitsgesellschaft anpassen. Dabei soll die verurteilt gewordene Person darauf vorbereitet werden, sich wieder in das soziale Gefüge der Gesellschaft zu integrieren, und resozialisiert werden. Das Konzept geht nicht für alle straffällig gewordenen Menschen auf. Einige bleiben lebenslänglich in Gewahrsam der Justiz. Kann eine erfolgreiche Wiedereingliederung von Straftäter:innen in die Gesellschaft gelingen und das Konstrukt Gefängnisinsel diese überhaupt gewährleisten

Ethik und Moral
Besuchszeiten sind kapp und streng überwacht. Der Austausch mit Menschen, die einen lieben und unterstützen, wird nur begrenzt gewährt und ist durch die örtliche Isolation weiter eingeschränkt. Tagesabläufe werden plangemäß eingehalten, Rückzugsorte für die Gefangenen gibt es kaum. Jede:r Inhaftierte ist ein Individuum. Ab welchem Punkt überschreiten die strengen Vorgaben innerhalb der Gefängnismauern die Rechte und Bedürfnisse der einzelnen Gefangenen? Greift das Konzept in die ethischen und moralischen Vorstellungen der Gesellschaft?

Recht und Gerechtigkeit
Das Recht umfasst alle Regeln (Normen), denen wir im Sinne eines Gemeinwohls unterliegen. Gesetze und Verhaltensregeln, die in der Gemeinschaft als verbindlich gelten, sollen akzeptiert und befolgt werden. Gerechtigkeit ist dagegen ein Maßstab für das individuelle Verhalten von Menschen. Es geht unter anderem darum, dass Gleiches gleich und Ungleiches ungleich behandelt wird. Findet das Zusammenspiel von Recht und Gerechtigkeit seinen Wiederhall hinter den Mauern?

Das Konstrukt Gefängnisinsel soll mit Gegenüberstellungen von Begriffen zum Nachdenken bei dem/der Betrachter:in anregen. Was passiert eigentlich in der Institution? Finden das Recht und die Gerechtigkeit ein Zusammenspiel? Empfinden wir die Bestrafung und Resozialisierung als angemessen? Sind die Vorkehrungen ethisch und moralisch vertretbar?

Was ist die soziale Verantwortung eines Grafikers oder einer Grafikerin innerhalb der Gesellschaft? Nach dem französischen Grafikdesigner Pierre Bernard basiert die soziale Verantwortung des Grafikers auf dem Wunsch, an der Schaffung einer besseren Welt mitzuwirken. Design ist Teil von Kultur, welche durch menschliche Einflüsse gemeinsam aufgebaut und verändert wird und sich dadurch im ständigen Wandel befindet. Der Designer oder die Designerin übernimmt durch seine oder ihre Arbeit eine soziale Rolle als Mitgestalter:in der Kultur, geprägt durch seinen oder ihren persönlichen kulturellen Hintergrund.